生物藝術（BioArt）是人類與活組織，細菌，活生物體和生命過程壹起工作的藝術實踐。利用生物技術（包括基因工程，組織培養和克隆等技術）等科學工藝，藝術品在實驗室，美術館或藝術家工作室生產。生物藝術的範圍被壹些藝術家視為嚴格限於“生活形式”，而其他藝術家將包括使用當代醫學和生物學研究圖像的藝術，或要求它解決了由非常藝術家提出的爭議或盲點生命科學的特點。
生物藝術或生物藝術是當代藝術發展的最新趨勢之壹。它具有以生物技術為手段的特點。生物組織的培養，遺傳學，形態學轉化，生物力學建構是生物藝術藝術家所使用的壹些技術，為生物技術的發展提出了倫理和社會問題。
雖然生物藝術家在處理生物問題，但是對於物質被認為是活的階段還是存在爭議的。創造生命和在生命科學實踐帶來倫理，社會和審美探究。 “生物藝術”壹詞是由Eduardo Kac於1997年就其作品“時間膠囊”（Time Capsule）創造的。雖然它起源於20世紀末，通過Joe Davis Marta de Menezes和SymbioticA的藝術家的作品，BioArt開始在21世紀初更加廣泛地實踐。
這種實驗可以涉及藝術家自己的身體（皮膚文化，動物輸血），往往體現了與這些技術相關的傳統恐懼和希望。
關於在生物藝術流中包含與活體組織技術無關的作品存在壹些爭議。參與生物藝術的作品應該被認可，因為它們反映了對社會與生物技術發展之間存在的問題關系的批評或評論。
生物藝術通常意圖是令人震驚或幽默。對同位素領域的壹個調查：“文學與自然寫作雜誌”就是這麽說的：“生物藝術通常是荒謬的，它可能是塊狀的，粗糙的，不衛生的，有時是看不見的，而且很難保持在拍賣塊上。與此同時，藝術也應該做壹些非常傳統的事情：把註意力放在我們可能永遠不會看到的美麗和怪誕的自然細節上。“
Bioart也是從目前的藝術塑料發展而來，涉及到與環境平衡的制造過程，即考慮到使用可回收和可重復使用的材料來制作與環境平衡的藝術作品。 Bioart的目標是為公眾提供發展和思考每位藝術家回歸根源的表達的可能性，以及從地球出生的每壹種文化的表達，而不是損害它。在委內瑞拉，它由不同的藝術家開發，開創者是生物專家研討會“Un Mundo en Botellas”。
喬治·格斯特（George Gessert）被許多人視為生物藝術運動的重要發起人。 Eduardo Kac是當前和他與眾生合作的發起人之壹。最為人所知的是阿爾巴兔，在這種工作中，通過對動物的遺傳操作，顏色發生了變化。 SymbioticA是由Oron Catts和Ionatt Zurr在西澳大利亞大學人體解剖和生物學院設立的壹個小組。他們經常使用活的組織作為雕塑形式，損害作品中的倫理判斷，往往以有爭議的方式。喬·戴維斯（Joe Davis）在麻省理工學院（MIT）工作，並與科學家合作，舉辦了多場展覽
在提出關於科學在社會中的作用的問題時，“這些作品大多傾向於社會反思，通過藝術和科學的結合來傳達政治和社會的批評”。
雖然大多數練習生物藝術的人在這種新媒體中被歸類為藝術家，但他們也可以被看作是科學家，因為作品中的實際媒介屬於分子結構等等。由於這種雙重接受，哈佛大學細胞生物學系邀請任何人提交基於科學或藝術價值的作品。這可以鼓勵任何人提交他們強烈回應的工作。
起初，實驗室工作可能會對藝術家構成挑戰，因為環境對藝術家而言常常是陌生的。雖然有些藝術家之前有過科學訓練，但還有壹些藝術家需要接受訓練才能執行程序，或者與可以執行所需任務的科學家壹起工作。生物藝術家經常使用與科學和科學實踐相關的或參與科學實踐的形式，例如與細菌或活組織壹起工作。
許多技術涉及組織培養和轉基因，這是壹個基因工程過程的壹個術語，通過這個過程，來自壹個生物的遺傳物質通過添加來自另壹個生物體的合成或移植的遺傳物質而被改變。
BioArt由於其明顯缺乏道德而受到嚴格審查。 “今日美國”報道說，動物權利組織指責卡奇和其他人不公平地利用動物謀取私利，而保守派則從道德角度質疑轉基因技術和組織培養的使用。
弗吉尼亞州諾福克市PETA的高級研究員Alka Chandna表示，為了藝術而使用動物與使用動物毛皮作為服裝材料沒有區別。 “對動物的轉基因操作只是動物為了人類的終結而使用的壹個連續體，無論是否做某種社會政治批判，對動物的壓力和壓力的加劇都是非常有問題的。
BioArt這個術語的範圍是壹個持續的爭論話題。爭論的焦點在於生物藝術是否必須涉及生物材料的操縱，就像微生物藝術中的微生物藝術壹樣。該術語的更廣泛的定義將包括解決生物科學的社會和倫理考慮的工作。在這些術語下，BioArt作為壹種流派，與批判性或推測性設計等領域有許多交叉。這種類型的工作通常會涉及到更廣泛的普通讀者，並側重於在這個領域開始討論，而不是開拓甚至使用特定的生物學實踐。在這個領域的例子包括Ray Fish鞋，它宣傳了用基因工程黃貂魚皮制成和制成的鞋子，還有壹家BiteLabs，壹家試圖用名人組織樣本培養肉制成香腸的生物技術公司。然而，在藝術界中，生物藝術越來越局限於排除不直接涉及生物材料的作品。
然而，許多生物藝術項目涉及操縱細胞而不是整個有機體，如SymbioticA的“無畏皮革”（Victimless Leather by SymbioticA）。我們提供了壹個實際的可能性，即在不殺死動物的情況下佩戴“皮革”作為文化討論的起點，我們的目的不是提供另壹種消費品，而是提出關於我們剝削其他生物的問題。這些項目的開發正是為了強調和解決我們與非人類動物的關系以及在科學過程中使用動物產品的問題。
2018年1月14日 星期日
靜物畫
西班牙語中的靜物畫“Bodegón”壹詞可以表示“餐具室”，“小酒館”或“酒窖”。衍生詞bodegón是壹個擴大，指壹個大型的酒窖，通常是壹種貶義的方式。在西班牙藝術中，bodegón是壹幅靜物畫，描繪的是餐具，比如通常放置在壹塊簡單的石板上的餐具，遊戲和飲料，還有壹幅具有壹個或多個人物的繪畫，但是具有重要的靜物元素設置在廚房或小酒館。它也指低下階層的生活或日常用品，可以用鮮花，水果或其他物體塗抹，以顯示畫家的精通。
西班牙藝術家Francisco Pacheco delRío（1564-1654）和Antonio Palomino de Castro y Velasco（1653-1726）已經將Bodegón用於DiegoVelázquez的早期圖像，其中這可能是由荷蘭所謂的廚房這些作品呈現出日常生活中安排菜肴和食物的場景，起著重要的作用。約阿希姆·貝克拉爾（Joachim Beuckelaer）和彼得·阿爾特森（Pieter Aertsen）是這個流派的重要代表，這個流派在當時屬於西班牙的荷蘭南部栽培。另外，通過（那時也是西班牙）那不勒斯的繞道或者文森佐·坎皮（Vincenzo Campi）或者卡尼奇（Annibale Carracci）的作品，這些新的想法可能會來到西班牙。就文化史而言，這種轉向公共生活中的簡單事物和日常生活，與偏離主義的人為性，更接近現實的觀察，在其他類型的歐洲繪畫中也可以觀察到的現實主義有關。 17世紀初不久，這些模型在西班牙被采用。在Velázquez早期的Bodegones，靜物的元素已經被推到了前景，但仍然是比喻情境的壹部分，甚至用聖經的背景場景來證明“較低”的主題選擇，甚至在荷蘭模式之後。
Bodegón是壹種靜物流派，主要是繪畫，它代表著藝術家所定義的框架內某種特定的無組織元素（食物，遊戲，水果，花朵，各種物體等），但沒有任何象征意圖。在對象的構成中沒有巧妙的巧合，......這就暗示了對事物的實際處理。“從更廣泛的意義上來說，”偶數“這個術語被用作靜物的同義詞。
壹個真實的靜物是壹個畫家作出的基本決定選擇作為壹個主題，並組織成壹個塑料實體壹組物體的壹天誕生。根據他工作的時間和環境，用各種精神典故加載他們，不改變他對藝術家的深刻設計。
從巴洛克時期開始，這種繪畫在17世紀的第二個季度在西班牙流行起來。靜物畫的傳統似乎已經開始，並且在現今比利時和荷蘭（當時的佛蘭德和荷蘭藝術家）比現在低的國家更受歡迎。北方的靜物有許多亞類，早餐是由錯視，花束和vanitas增添的。在西班牙，這類東西的顧客少得多，但是壹種早餐已經變得流行起來，在桌子上擺放著壹些食物和餐具。雖然現在被認為是西班牙的壹個發明，但在古羅馬，經常在石板上呈現水果的trompe-l'œil呈現方式很常見。
歷史：
靜物畫“Bodegón”出現在十六世紀末。基於意大利樣本。 1592年寫了三本“意大利的風味”。胡安·埃斯班（Juan Esteban）簽名的最早的市場場景（格拉納達，卡洛斯五世）就是在1606年出現在烏貝達的。第壹個廚房的場景 - 約1604克，屬於文森佐·坎皮（Vincenzo Campi）手中，是塞維利亞Arzobispal宮殿中主教座堂天花板裝飾的壹部分。
在意大利，這些香檳是在藝術家米開朗基羅和卡拉瓦喬的現實主義的影響下傳播開來的。呼籲“低”類型是對意大利矯飾主義的復雜反應。後來“Bodegon”這個詞被稱為整個靜物的流派。
與此同時，即使不是幾年前，西班牙也出現了第壹批純粹的靜物，也就是沒有工作人員，而今天這些靜物也被列入了褒揚之中。 1602年至今，托萊多的胡安·桑切斯·科坦（JuanSánchezCotán，1560-1627年）創造了未加工的天然產品的繪畫布置，看起來像是在黑暗的背景下並排擺放，看起來毫無價值。盡管個別的繪畫對象可能沒有直接的象征性的意義，但是它們呈現方式的簡單性和樸素性以及對主體的選擇是沒有宗教道德感的。相應地，在1603年，桑切斯科坦退休到卡爾特修道院，導致了壹個非常苦難的生活。下面壹代靜物畫家最重要的代表是胡安·範德·哈門和萊昂（1596-1631），他是佛蘭芒父母的壹個孩子。雖然受到桑切斯·科坦（SánchezCotán）的影響，與範德哈門（以及他的同時代人）相比，調色板變得更加豐富多彩，主題更加珍貴，圖像空間更深。與他的花卉靜物被添加為壹個流派。他為法庭工作，屬於壹個知識分子的圈子。在Francisco deZurbarán（1598-1664）年輕的兩年後的工作中，靜物仍然起著重要而非中心的作用。在他們嚴肅的安排和荒蕪的外表，他們更類似於老的科坦的工作。
西班牙巴洛克風格的靜物繪畫往往是嚴峻的，它不同於佛蘭芒巴洛克風格的靜物，這些靜物常常包含豐富的宴會，包圍華麗和豪華的物品與織物或玻璃。在bodegones，遊戲往往是平靜的死亡動物仍然等待被剝皮。水果和蔬菜都是生的。背景是黯淡或平原木的幾何塊，往往創造超現實主義的空氣。荷蘭人和西班牙人的靜物往往有壹個道義vanitas元素。他們的緊縮，類似於壹些西班牙高原的黯淡，從不復制許多北歐靜物畫的感官愉悅，充實和奢華。
Velázquez繪畫塞維利亞水彩畫，老婦人油煎雞蛋和午餐通常被描述作為bodegones由於藝術家描述罐子和食物。有些人拒絕使用這個術語，把它們稱為Bamboccianti風格和靜物的風格繪畫的混合物。
在十八世紀，西班牙觀眾仍然興盛。路易斯·歐金尼奧·梅倫德斯（Luis EugenioMeléndez）的繪畫也呈現出黑暗的背景，使得物體靠近旁觀者的眼睛，但是光線更加均勻，圖像構圖更具有“學術性”。無論如何，所有的寓意和形而上學的意義都消失了。
西班牙bodegón的法庭儀式世界顯著的特點與公民在北方靜物中的資產階級實際生活顯著區別：佛蘭芒和荷蘭餐畫提供了郁郁蔥蔥的和在行動的背景下（準備，食物）動機，而在西班牙代表的任何消費跡象都被消除了。
類型
Bodegones分為兩大類：
靜物寫生（通常禁欲，在中立的背景下）;在小酒館裏，在街上，在商店裏，有少數人物（主要是平民）的參與，結合了日常生活和靜物的元素。
靜物畫允許藝術家將流派與靜物相結合。
特別是Bodegón，在他的作品“塞維利亞”的第壹個時期是Diego Velasquez最喜歡的類型。對這個流派反復訴諸Zurbaran。
靜物畫的風格有其傳統的形式 - 在昏暗的光源昏暗的房間裏，其中的光斑特別對比，人物的體積和輪廓被挑出。
靜物畫被認為是流派層級中的“低”流派。這些畫被認為是“微不足道”，甚至“抹黑”。在他的Diálogosde la pintura（1633），他們被Velasquez，Vincenzo Carducci公開嘲笑。
西班牙藝術家Francisco Pacheco delRío（1564-1654）和Antonio Palomino de Castro y Velasco（1653-1726）已經將Bodegón用於DiegoVelázquez的早期圖像，其中這可能是由荷蘭所謂的廚房這些作品呈現出日常生活中安排菜肴和食物的場景，起著重要的作用。約阿希姆·貝克拉爾（Joachim Beuckelaer）和彼得·阿爾特森（Pieter Aertsen）是這個流派的重要代表，這個流派在當時屬於西班牙的荷蘭南部栽培。另外，通過（那時也是西班牙）那不勒斯的繞道或者文森佐·坎皮（Vincenzo Campi）或者卡尼奇（Annibale Carracci）的作品，這些新的想法可能會來到西班牙。就文化史而言，這種轉向公共生活中的簡單事物和日常生活，與偏離主義的人為性，更接近現實的觀察，在其他類型的歐洲繪畫中也可以觀察到的現實主義有關。 17世紀初不久，這些模型在西班牙被采用。在Velázquez早期的Bodegones，靜物的元素已經被推到了前景，但仍然是比喻情境的壹部分，甚至用聖經的背景場景來證明“較低”的主題選擇，甚至在荷蘭模式之後。
Bodegón是壹種靜物流派，主要是繪畫，它代表著藝術家所定義的框架內某種特定的無組織元素（食物，遊戲，水果，花朵，各種物體等），但沒有任何象征意圖。在對象的構成中沒有巧妙的巧合，......這就暗示了對事物的實際處理。“從更廣泛的意義上來說，”偶數“這個術語被用作靜物的同義詞。
壹個真實的靜物是壹個畫家作出的基本決定選擇作為壹個主題，並組織成壹個塑料實體壹組物體的壹天誕生。根據他工作的時間和環境，用各種精神典故加載他們，不改變他對藝術家的深刻設計。
從巴洛克時期開始，這種繪畫在17世紀的第二個季度在西班牙流行起來。靜物畫的傳統似乎已經開始，並且在現今比利時和荷蘭（當時的佛蘭德和荷蘭藝術家）比現在低的國家更受歡迎。北方的靜物有許多亞類，早餐是由錯視，花束和vanitas增添的。在西班牙，這類東西的顧客少得多，但是壹種早餐已經變得流行起來，在桌子上擺放著壹些食物和餐具。雖然現在被認為是西班牙的壹個發明，但在古羅馬，經常在石板上呈現水果的trompe-l'œil呈現方式很常見。
歷史：
靜物畫“Bodegón”出現在十六世紀末。基於意大利樣本。 1592年寫了三本“意大利的風味”。胡安·埃斯班（Juan Esteban）簽名的最早的市場場景（格拉納達，卡洛斯五世）就是在1606年出現在烏貝達的。第壹個廚房的場景 - 約1604克，屬於文森佐·坎皮（Vincenzo Campi）手中，是塞維利亞Arzobispal宮殿中主教座堂天花板裝飾的壹部分。
在意大利，這些香檳是在藝術家米開朗基羅和卡拉瓦喬的現實主義的影響下傳播開來的。呼籲“低”類型是對意大利矯飾主義的復雜反應。後來“Bodegon”這個詞被稱為整個靜物的流派。
與此同時，即使不是幾年前，西班牙也出現了第壹批純粹的靜物，也就是沒有工作人員，而今天這些靜物也被列入了褒揚之中。 1602年至今，托萊多的胡安·桑切斯·科坦（JuanSánchezCotán，1560-1627年）創造了未加工的天然產品的繪畫布置，看起來像是在黑暗的背景下並排擺放，看起來毫無價值。盡管個別的繪畫對象可能沒有直接的象征性的意義，但是它們呈現方式的簡單性和樸素性以及對主體的選擇是沒有宗教道德感的。相應地，在1603年，桑切斯科坦退休到卡爾特修道院，導致了壹個非常苦難的生活。下面壹代靜物畫家最重要的代表是胡安·範德·哈門和萊昂（1596-1631），他是佛蘭芒父母的壹個孩子。雖然受到桑切斯·科坦（SánchezCotán）的影響，與範德哈門（以及他的同時代人）相比，調色板變得更加豐富多彩，主題更加珍貴，圖像空間更深。與他的花卉靜物被添加為壹個流派。他為法庭工作，屬於壹個知識分子的圈子。在Francisco deZurbarán（1598-1664）年輕的兩年後的工作中，靜物仍然起著重要而非中心的作用。在他們嚴肅的安排和荒蕪的外表，他們更類似於老的科坦的工作。
西班牙巴洛克風格的靜物繪畫往往是嚴峻的，它不同於佛蘭芒巴洛克風格的靜物，這些靜物常常包含豐富的宴會，包圍華麗和豪華的物品與織物或玻璃。在bodegones，遊戲往往是平靜的死亡動物仍然等待被剝皮。水果和蔬菜都是生的。背景是黯淡或平原木的幾何塊，往往創造超現實主義的空氣。荷蘭人和西班牙人的靜物往往有壹個道義vanitas元素。他們的緊縮，類似於壹些西班牙高原的黯淡，從不復制許多北歐靜物畫的感官愉悅，充實和奢華。
Velázquez繪畫塞維利亞水彩畫，老婦人油煎雞蛋和午餐通常被描述作為bodegones由於藝術家描述罐子和食物。有些人拒絕使用這個術語，把它們稱為Bamboccianti風格和靜物的風格繪畫的混合物。
在十八世紀，西班牙觀眾仍然興盛。路易斯·歐金尼奧·梅倫德斯（Luis EugenioMeléndez）的繪畫也呈現出黑暗的背景，使得物體靠近旁觀者的眼睛，但是光線更加均勻，圖像構圖更具有“學術性”。無論如何，所有的寓意和形而上學的意義都消失了。
西班牙bodegón的法庭儀式世界顯著的特點與公民在北方靜物中的資產階級實際生活顯著區別：佛蘭芒和荷蘭餐畫提供了郁郁蔥蔥的和在行動的背景下（準備，食物）動機，而在西班牙代表的任何消費跡象都被消除了。
類型
Bodegones分為兩大類：
靜物寫生（通常禁欲，在中立的背景下）;在小酒館裏，在街上，在商店裏，有少數人物（主要是平民）的參與，結合了日常生活和靜物的元素。
靜物畫允許藝術家將流派與靜物相結合。
特別是Bodegón，在他的作品“塞維利亞”的第壹個時期是Diego Velasquez最喜歡的類型。對這個流派反復訴諸Zurbaran。
靜物畫的風格有其傳統的形式 - 在昏暗的光源昏暗的房間裏，其中的光斑特別對比，人物的體積和輪廓被挑出。
靜物畫被認為是流派層級中的“低”流派。這些畫被認為是“微不足道”，甚至“抹黑”。在他的Diálogosde la pintura（1633），他們被Velasquez，Vincenzo Carducci公開嘲笑。
吟唱
吟唱（Cantastoria）來自意大利語，意思是“故事歌手”，在世界各地都有很多其他名字。這是壹個表演形式，表演者在對壹系列圖像做出指示或說出故事的同時，同時利用圖像繪制出故事大綱，打印或繪制在任何種類的材料上。
吟遊詩人或者講故事的人是傳統的口頭文學和民間文化人物，是壹個街頭藝術家，他在廣場上走來走去，講述了壹個古老的故事，經常在壹個新的改造中，並且提到當代的事件和事件。敘述的故事成為社區集體文化包袱的壹部分。
歌手們用壹種樂器伴奏著“Cantata”：通常是吉他，但是他們也使用了手風琴（或者在最遙遠的時代的琴）。他們在主要場景中描述了故事情節的廣告牌。他們的工作是與觀眾的報價或出售飛行表的報酬，在這個故事描述。五十年代以後，隨著黑膠唱片的出現，這些故事被記錄下來，並在唱片上銷售，首先在78圈，然後是45。
傳統來源於遙遠的先例，如希臘的阿迪和拉普西迪，流氓，吟遊詩人，凱爾特人的吟遊詩人，法國中世紀的行吟詩人和西西裏詩派。伊斯蘭和印度文化（西孟加拉邦典型的chitrakar婦女）和非洲也有類似的情況。
從14世紀開始，他們遠離了更為文化的文學，並促成了方言中的加洛林聖騎士的行為，也是歌劇dei Pupi的主題。他們在十七世紀的西西裏，十八世紀的羅馬（其最大的代表是安德烈亞·法雷塔（Andrea Faretta））有最大的開花，並得到教會的支持，目的是把聖人和聖經的故事傳播給人民。 1661年在巴勒莫，耶穌會士組成了“Orbi”的聚會，這些盲人歌手被教導演奏壹種樂器，並且在宗教控制下與專門的宗教主體聯系在壹起。
Kramářské的歌曲起源於十六世紀直到十九世紀中葉，有時後來（但它更像是壹首原始歌曲的模仿，例如Jan Werich，Pavel Kohout在Dobrápíseň中使用了某種回憶）。他們與雕塑家的歌唱大多伴隨著他們的文本出售。由於瘋狂歌曲的篇幅相當長，大部分都被遺忘了
坎塔斯托裏亞是非常豐富多彩的，它包括史詩和抒情詩，關於悲劇事件的歌曲（民謠或morytats），招募和軍事歌曲，它包含精神和愛的歌詞，最後但並非最不重要的諷刺。這個名為“真善忍最新歌”的漫長而全面的名字，作為壹個無愛的女人，瘋狂地扼殺了今年八月發生的她自己的丈夫的無辜的兒子，壹個典型的（也是最偏執的人物之壹）1885年“，大部分是民歌或流行歌曲的旋律，自己的旋律很少。
勇敢的歌曲開始與觀眾（“聽聽發生了什麽事，基督徒嘲笑，什麽是真實的，沒有謊言，真正是從Žatec兩英裏，在那個山谷的森林下，有壹個村莊。”歌曲“薩特克地區發生的悲慘故事“）以道德教訓告終（”現在我們可以敢於知道壹個渴望能做什麽，誰願意靠另壹個財富，為了上帝的緣故總是要求幫助，聖母巴博拉，基督救世主，同壹首歌）;其他典型的特征包括交戰和戲劇性故事情節（頻繁的超自然現象），聳人聽聞，大膽，時間的確切位置和追蹤時間（通常基於真實的事件）韻律往往非常不連貫，大多數情況下，冷漠的地方僅僅是壹種共鳴，而同誌的歌聲也是壹種典型的口音的滾動。搖籃曲大部分是用非書面的，口頭的，通常是壹種方言寫成的，很多時候還包括對話店員經常表演家庭，壹個家庭成員唱壹個部分，另壹個），其中可以看到某種民間戲劇。
從十七世紀到十九世紀，妓女歌手從壹個地方搬到另壹個地方，在集市，節日，集市，港口，城市的街道或村莊的草地上報道可怕的故事，謀殺，愛情，災難和激動人心的政治事件，因此，Bänkelsänger也被視為壹個旅行的人，並不是那種尋求謀生的殘疾人或“瘸子”。
在他的演講中，這位喧鬧的歌手站在壹條小凳子上，Bänkel。他通常會在畫板上用很長的工作人員來展示他的道德。他經常用壹種手風琴，小提琴，琵琶，或後來的槍管風琴伴奏他的表演。
不同國家的故事歌手：
在6世紀的印度，被稱為saubhikas的宗教故事是由旅行的講故事者進行的，他們在挨家挨戶的橫幅上繪有神像。另壹種稱為yamapapaka的形式以垂直的布卷為特色，伴隨著來世的傳唱故事。如今，印度傳統藝術仍然由西孟加拉邦的Chitrakar女性表演。在西藏，這被稱為馬尼帕，在中國這被稱為片。在印度尼西亞，卷軸被水平化了，成為了壹個叫做beaw的人，雇傭了四個表演者：壹個唱故事的男人，兩個操縱卷軸的男人，壹個拿著燈來照亮故事中的特別照片的女人。印度尼西亞的其他戲劇形式，如影子戲，皮影戲，way go戲，木偶戲，在同壹時間發展，今天仍然表演。
在日本，坎塔裏亞（cantastoria）以懸掛卷軸的形式出現，分別是etoki（絵解）或emaki（絵巻），預示著極受歡迎的漫畫或日本漫畫。 Etoki有時采取小冊子的形狀，甚至在路邊擺放著擺放著背景的娃娃。在20世紀，日本的糖果商們將自行車帶著紙芝居（kamishibai）的連續節目自行車，在這裏，故事講述了壹系列不斷變化的圖片，這些圖片在壹個開放式的框中滑進和滑出。壹些kamishibai表演有壹個偷看表演元素給他們，觀眾可以通過壹個洞付出額外的同行，並從故事中看到假設的神器。
在十六世紀的意大利，祈禱往往會在燈光閃爍的情況下演唱，而世俗社會制作的cantambanco或“歌唱臺”則是壹個人用棍子站在畫面上的畫面。
在西班牙直到19世紀，有壹個年輕的“幫手”的盲人，他們從壹個城鎮到另壹個城市去展示插圖，而盲人則背誦/吟唱這個故事，而這個故事往往是關於蠻橫的罪行。他的幫手指出了當時的情況。這些被稱為“羅曼斯de ciego”（盲人的故事）。
歌唱隊向北遷移到中歐和北歐，成為有關謀殺，火災，死亡，事件，性醜聞等的聳人聽聞的準新聞。這種有爭議的板凳歌曲的表演者被看作是流浪者和麻煩制造者，經常因為他們的活動而被逮捕，流放或放逐。
在波斯，帕爾達達裏（比較印度的paradari）橫幅藝術家有遠見，在角落畫壹個英俊的警察作為壹個防範警方騷擾憤怒的故障 - 敘述者將涉及英雄的利用的故事，當壹個警察會出現在人群中，敘述者將指向警察的旗幟，並在故事的背景下以恭維的方式淋浴。
在捷克斯洛伐克旗幟節目被稱為kramářskápíseň。他們大部分都被遺忘了，除了壹首模仿歌CannoneerJabůrek之外。
在匈牙利，術語是képmutogatás。
在德國巡回演出的歌唱家Moritat或Bänkelsang（長椅歌）橫幅顯示了四個世紀，直到納粹在二十世紀四十年代禁止這種做法。德國人Bänkelsang在Bertolt Brecht的The Threepenny Opera（德語：Die Dreigroschenoper）和Peter Schumann的表演作品中生存下來。
澳大利亞原住民講故事的人在樹皮上繪制故事序列，也為了表演這個故事。
在十九世紀，在英國和美國各地進行了巨大的滾動移動全景表演。二十世紀，激進的藝術，戲劇和木偶戲運用了流行音樂，從主流媒體以外的角度講述故事，尤其是面包木偶劇院。在蜂巢集體的便攜式壁畫海報中也可以看到圖片故事的元素。
吟遊詩人或者講故事的人是傳統的口頭文學和民間文化人物，是壹個街頭藝術家，他在廣場上走來走去，講述了壹個古老的故事，經常在壹個新的改造中，並且提到當代的事件和事件。敘述的故事成為社區集體文化包袱的壹部分。
歌手們用壹種樂器伴奏著“Cantata”：通常是吉他，但是他們也使用了手風琴（或者在最遙遠的時代的琴）。他們在主要場景中描述了故事情節的廣告牌。他們的工作是與觀眾的報價或出售飛行表的報酬，在這個故事描述。五十年代以後，隨著黑膠唱片的出現，這些故事被記錄下來，並在唱片上銷售，首先在78圈，然後是45。
傳統來源於遙遠的先例，如希臘的阿迪和拉普西迪，流氓，吟遊詩人，凱爾特人的吟遊詩人，法國中世紀的行吟詩人和西西裏詩派。伊斯蘭和印度文化（西孟加拉邦典型的chitrakar婦女）和非洲也有類似的情況。
從14世紀開始，他們遠離了更為文化的文學，並促成了方言中的加洛林聖騎士的行為，也是歌劇dei Pupi的主題。他們在十七世紀的西西裏，十八世紀的羅馬（其最大的代表是安德烈亞·法雷塔（Andrea Faretta））有最大的開花，並得到教會的支持，目的是把聖人和聖經的故事傳播給人民。 1661年在巴勒莫，耶穌會士組成了“Orbi”的聚會，這些盲人歌手被教導演奏壹種樂器，並且在宗教控制下與專門的宗教主體聯系在壹起。
Kramářské的歌曲起源於十六世紀直到十九世紀中葉，有時後來（但它更像是壹首原始歌曲的模仿，例如Jan Werich，Pavel Kohout在Dobrápíseň中使用了某種回憶）。他們與雕塑家的歌唱大多伴隨著他們的文本出售。由於瘋狂歌曲的篇幅相當長，大部分都被遺忘了
坎塔斯托裏亞是非常豐富多彩的，它包括史詩和抒情詩，關於悲劇事件的歌曲（民謠或morytats），招募和軍事歌曲，它包含精神和愛的歌詞，最後但並非最不重要的諷刺。這個名為“真善忍最新歌”的漫長而全面的名字，作為壹個無愛的女人，瘋狂地扼殺了今年八月發生的她自己的丈夫的無辜的兒子，壹個典型的（也是最偏執的人物之壹）1885年“，大部分是民歌或流行歌曲的旋律，自己的旋律很少。
勇敢的歌曲開始與觀眾（“聽聽發生了什麽事，基督徒嘲笑，什麽是真實的，沒有謊言，真正是從Žatec兩英裏，在那個山谷的森林下，有壹個村莊。”歌曲“薩特克地區發生的悲慘故事“）以道德教訓告終（”現在我們可以敢於知道壹個渴望能做什麽，誰願意靠另壹個財富，為了上帝的緣故總是要求幫助，聖母巴博拉，基督救世主，同壹首歌）;其他典型的特征包括交戰和戲劇性故事情節（頻繁的超自然現象），聳人聽聞，大膽，時間的確切位置和追蹤時間（通常基於真實的事件）韻律往往非常不連貫，大多數情況下，冷漠的地方僅僅是壹種共鳴，而同誌的歌聲也是壹種典型的口音的滾動。搖籃曲大部分是用非書面的，口頭的，通常是壹種方言寫成的，很多時候還包括對話店員經常表演家庭，壹個家庭成員唱壹個部分，另壹個），其中可以看到某種民間戲劇。
從十七世紀到十九世紀，妓女歌手從壹個地方搬到另壹個地方，在集市，節日，集市，港口，城市的街道或村莊的草地上報道可怕的故事，謀殺，愛情，災難和激動人心的政治事件，因此，Bänkelsänger也被視為壹個旅行的人，並不是那種尋求謀生的殘疾人或“瘸子”。
在他的演講中，這位喧鬧的歌手站在壹條小凳子上，Bänkel。他通常會在畫板上用很長的工作人員來展示他的道德。他經常用壹種手風琴，小提琴，琵琶，或後來的槍管風琴伴奏他的表演。
不同國家的故事歌手：
在6世紀的印度，被稱為saubhikas的宗教故事是由旅行的講故事者進行的，他們在挨家挨戶的橫幅上繪有神像。另壹種稱為yamapapaka的形式以垂直的布卷為特色，伴隨著來世的傳唱故事。如今，印度傳統藝術仍然由西孟加拉邦的Chitrakar女性表演。在西藏，這被稱為馬尼帕，在中國這被稱為片。在印度尼西亞，卷軸被水平化了，成為了壹個叫做beaw的人，雇傭了四個表演者：壹個唱故事的男人，兩個操縱卷軸的男人，壹個拿著燈來照亮故事中的特別照片的女人。印度尼西亞的其他戲劇形式，如影子戲，皮影戲，way go戲，木偶戲，在同壹時間發展，今天仍然表演。
在日本，坎塔裏亞（cantastoria）以懸掛卷軸的形式出現，分別是etoki（絵解）或emaki（絵巻），預示著極受歡迎的漫畫或日本漫畫。 Etoki有時采取小冊子的形狀，甚至在路邊擺放著擺放著背景的娃娃。在20世紀，日本的糖果商們將自行車帶著紙芝居（kamishibai）的連續節目自行車，在這裏，故事講述了壹系列不斷變化的圖片，這些圖片在壹個開放式的框中滑進和滑出。壹些kamishibai表演有壹個偷看表演元素給他們，觀眾可以通過壹個洞付出額外的同行，並從故事中看到假設的神器。
在十六世紀的意大利，祈禱往往會在燈光閃爍的情況下演唱，而世俗社會制作的cantambanco或“歌唱臺”則是壹個人用棍子站在畫面上的畫面。
在西班牙直到19世紀，有壹個年輕的“幫手”的盲人，他們從壹個城鎮到另壹個城市去展示插圖，而盲人則背誦/吟唱這個故事，而這個故事往往是關於蠻橫的罪行。他的幫手指出了當時的情況。這些被稱為“羅曼斯de ciego”（盲人的故事）。
歌唱隊向北遷移到中歐和北歐，成為有關謀殺，火災，死亡，事件，性醜聞等的聳人聽聞的準新聞。這種有爭議的板凳歌曲的表演者被看作是流浪者和麻煩制造者，經常因為他們的活動而被逮捕，流放或放逐。
在波斯，帕爾達達裏（比較印度的paradari）橫幅藝術家有遠見，在角落畫壹個英俊的警察作為壹個防範警方騷擾憤怒的故障 - 敘述者將涉及英雄的利用的故事，當壹個警察會出現在人群中，敘述者將指向警察的旗幟，並在故事的背景下以恭維的方式淋浴。
在捷克斯洛伐克旗幟節目被稱為kramářskápíseň。他們大部分都被遺忘了，除了壹首模仿歌CannoneerJabůrek之外。
在匈牙利，術語是képmutogatás。
在德國巡回演出的歌唱家Moritat或Bänkelsang（長椅歌）橫幅顯示了四個世紀，直到納粹在二十世紀四十年代禁止這種做法。德國人Bänkelsang在Bertolt Brecht的The Threepenny Opera（德語：Die Dreigroschenoper）和Peter Schumann的表演作品中生存下來。
澳大利亞原住民講故事的人在樹皮上繪制故事序列，也為了表演這個故事。
在十九世紀，在英國和美國各地進行了巨大的滾動移動全景表演。二十世紀，激進的藝術，戲劇和木偶戲運用了流行音樂，從主流媒體以外的角度講述故事，尤其是面包木偶劇院。在蜂巢集體的便攜式壁畫海報中也可以看到圖片故事的元素。
隨想藝術
在绘画中，一个奇思妙想（Whim）或随想（Capriccio）意味着一种建筑幻想，把建筑物，考古遗址和其他建筑元素放在虚构的，往往是幻想的组合中，可能还包括人物（或者数字）。它属于普遍适用于山水画的术语。这个词也用于其他具有幻想元素的艺术品。和中国水墨画相比较，随想艺术更注重外形上的真实表述，而在建筑物的功能上或者构图元素上，让观众对背景的故事引发猜想。
在视觉艺术中，随想一般是一种建筑幻想，建筑物，考古遗迹，废墟和其他建筑元素是根据艺术家的特质标准排列的真实和神奇元素的组合。传统上，反复无常是风景画的一个分支，但随着时间的推移，它也被用来指定其他类型的幻想盛行的作品。
在十七世纪末到十八世纪初的威尼斯绘画中，这种兴致勃勃的“veduta ideata”被视为一种真正的流派，即通过真实或奇妙的建筑元素的自由组合来创作景观的艺术，根据各种从怪诞到有远见，从风景如画的all'elegìaco倾斜的古代废墟，人物和数字。
这种装饰建筑绘画的前身可以在16世纪的意大利绘画中找到，特别是在被称为“quadratture”的大型壁画和天花板装饰框架的建筑环境中。这些建筑元素在17世纪的绘画中获得了突出的地位，成为画架绘画的独立主题。
根据1608年德国音乐作曲家迈克尔·普拉托瑞斯（Michael Praetorius）的作曲家和理论家的定义，一种奇思妙想“是一种即兴幻想，其中一种从一种主题到另一种主题。在音乐界特别出名和欣赏的是热那亚小提琴家帕格尼尼（Paganini）的24首随想曲，其中4首启发了匈牙利钢琴家李斯特（Ferenc Liszt）的研究。
起源：
在意大利艺术史学家乔治·瓦萨里（Giorgio Vasari，1511-1574）中，“任性”一词指的是令人费解的幻想的特征，证明了画家的独创性。在谈到菲利皮诺·里皮时，他强调了“他的画作”（“他在画中表现的奇怪的随性”）。 Raffaello Borghini（Il Riposo，15844）区分了从他人那里得到的灵感和艺术家内在的灵感：一个琐事。
早在17世纪，罗马的维维亚诺·科达齐（Viviano Codazzi）就制作了代表想象中的废墟的建筑绘画作品，这可以从彼蒂宫的建筑幻想中看出。
到了十七世纪末，菲利普·巴尔丁努奇（Philip Baldinucci，16815）最终将“随想曲”定义为从画家的自发想象中诞生的作品（improvvisa）。无意义的含义通过提到工作本身而成为转喻，而不是产生它的异想天开的想法。
黄金时代：
早在17世纪罗马流派流派的流派的早期实践者包括Alessandro Salucci和Viviano Codazzi。艺术家代表了两种不同的风格：科达齐的俘虏比萨卢奇更为现实，他通过重新安排罗马古迹来适应他的构图目标，表现出更多的创造力和自由。 Agostino Tassi的“quadratture”壁画和他在罗马看到的Claude Lorrain和Herman van Swanevelt的城市景观可能刺激了Viviano Codazzi开始绘画capricci。
这个类型是由马克·利玛窦（1676-1730）完善的[引文需要]，但其最知名的支持者是艺术家乔瓦尼·保罗·潘尼尼（Giovanni Paolo Pannini，1691-1765）。这种风格在十七世纪四十年代由卡纳莱托在他的着作中引申出来，并由皮拉内西和他的模仿者来作品。
在十八世纪，这个术语在导演画家中具有虚构景观的特殊意义。十七世纪二十年代，马可·利玛窦（Marco Ricci，1676-1730）绘制了无数的绘画和版画，描绘了废墟和人员配置的景观。在罗马，乔万尼·保罗·帕尼尼（Giovanni Paolo Panini，1691-1765）是新古典主义运动的先驱，其观点描绘的是古代遗址的城市和场景，其中包含了不存在的细节，但是却引发了大气的诱发。在威尼斯，这种风格特别受到威尼斯人自己的喜爱，被画家巧妙的建筑风格所吸引。在十九世纪四十年代，卡纳莱托出版了一系列的讽刺版画，“虚拟的理想”。
米歇尔·马里斯基（Michele Marieschi，1710-1743）借助内部宫殿庭院的楼梯代表了随想曲的自由。它至少基于马可·利玛窦（Marco Ricci）的舞台布景图案的十三个版本，以构图为舞台。他的随想CON埃迪菲西奥gotico ED方尖碑（1741）示出了幻想威尼斯，与哥特式门廊和方尖碑指向一个码头，并在后台，丘陵和山区的浮雕靠在水边房屋。
后续：
后来的例子包括查尔斯·罗伯特·科克雷尔（Charles Robert Cockerell）对克里斯托弗·雷恩爵士（Christopher Wren）爵士和教授梦想的致敬，以及约翰·索恩爵士（Joseph John Soane）执导的约翰逊·甘迪（Joseph Gandy）1818年的公私建筑。艺术家卡尔劳宾已经画了一些现代capriccios致敬这些作品。
这个词可以更广泛地用于具有强大幻想元素的其他作品。 Capricci是由Gianbattista Tiepolo（1743年出版，1743年出版）的一系列有影响力的版画，将建筑元素缩减为经典雕像和废墟的大块，其中一小群由异国情调和优雅的士兵，哲学家和美丽的年轻人去他们的神秘业务。没有单独的标题有助于解释这些作品;情绪和风格是一切。后来的系列被称为Scherzi di fantasia - “神奇草图”。他的儿子Domenico Tiepolo是模仿这些版画的人之一，经常使用这个词。
戈雅的八十幅作品“洛杉矶卡普里格斯”（Los Caprichos）以及他的系列“战争的灾难”（The Disasters of War）中的最后一批版画，他称之为“caprichosenfáticos”（“强调随性”），远非这个术语所暗示的那种轻松幻想的精神。他们把西班牙当代人生活中的一系列人物的形象当作一种形式，是一系列野蛮讽刺和荒谬的评论，只是部分地以简短的标题来说明。
卡普里奇（Capricci），由Giambattista Tiepolo（1743）所作的一系列版画，将建筑元素缩减为古典雕像和遗迹，其中小团体 - 士兵，哲学家和年轻人 - 开展业务。没有单独的标题解释这些作品。以后的系列被称为Scherzi di Fantasia，“Fantastic Drawings”。
该系列的80幅版画弗朗西斯科·戈雅的洛杉矶caprichos，而最后一组他的战争名称caprichosenfáticos（“强调率性”）的灾害，需要再由提埃波罗启动人士的团体的格式，放置在当代西班牙人的生活，对他的废话产生一连串的讽刺和评论，只是部分地以他们的简短标题来解释。
后来的例子包括克里斯托弗·雷恩爵士（1838年左右）和查尔斯·罗伯特·科克雷尔（Charles Robert Cockerell）的教授梦，以及约翰·索恩爵士（1818年）执行的约瑟夫·甘迪的公共和私人建筑。当代艺术家卡尔·劳宾（Carl Laubin）已经画了几个现代的capriccios作为对这些作品的赞扬。
随想建筑：
在建筑中，一时兴起是一个奢侈，轻or或有趣的建筑，更多的是作为一种艺术表达而不是实际的目的。然而，很少有突发事件本来是完全没有实用性的：通常，随着时间的推移，他们停止使用，就像狩猎塔一样。
这些突发事件通常发生在公园和大别墅和城堡周围的土地上。有些人被故意建造成废墟。十六世纪末和十九世纪之间，这种兴致之情特别流行。
如今，主题公园和世界博览会经常包含类似于建筑物的建筑物（举例来说，迪斯尼乐园里的巨大童话城堡）。但是，这些结构是为吸引和娱乐参观者而建造的。
哈格利大厅内的哈格利城堡。它由Sanderson Miller在十八世纪中期为George，Lyttelton勋爵建造，以恢复被毁坏的中世纪城堡的形式。
疯狂的概念经常被定义为疯狂是“观众眼中的愚蠢”。典型的特点是：
没有其他的目的，而不是一个装饰品。通常情况下，真正的建筑外观，实际上建筑的奇思妙想只是装饰。
他们是建筑物，或建筑物的一部分。他们从雕塑等其他花园装饰中脱颖而出。
它们是建立在目的之上的。这些愚蠢的东西是故意装饰的。
他们往往是偏心。作为一个特征，这并不是绝对必要的，但是这些结构通常以不寻常的形状和细节来吸引注意力。
在兴起时，往往有明显的错误元素。一个典型的例子是由废墟代表的：一个愚蠢的自称是古代建筑的其余部分，但实际上已经建在那个国家。
他们委托纯粹的快乐。
从十六世纪末到十七世纪初期，女人们开始作为花园的装饰元素出现，但在随后的两个世纪里特别兴起。尤其是在意大利的罗马别墅遗址，尤其是在建筑浪漫主义时期。
无论如何，大部分的棉被完全没有实际的支持，但是在保留其装饰感的同时，其中一些实际上具有用途，通常与狩猎相关，例如在塔或小房子的情况下容纳各种游戏者。在某些情况下，一些建筑怪念头可以作为茶馆。一个协会，愚蠢奖学金，成立于1988年，以保护建筑的奇思妙想。今天仍然致力于庆祝这些结构的历史和辉煌，并向公众宣传。
随想花园：
十八世纪英国花园和法国花园的重要组成部分（或法语：fabriques）是英格兰的Stowe和Stourhead以及Ermenonville的法国花园和法国的凡尔赛花园的重要组成部分。这些建筑常常是罗马神庙，哥特式修道院或埃及纪念碑和金字塔的形式。萨里郡的Painshill公园包含了大量的这些突发事件，包括一个大型的哥特式塔楼和其他各种相同风格的建筑物，一座罗马式的寺庙，一座冬宫，一座土耳其式的帐篷，一个镶嵌着贝壳等的洞穴。在法国，有时候，凡尔赛宫的玛丽·安托瓦内特（Marie Antoinette）的Hameau de la Reine就像农场，工厂和农舍一样。通常这些结构具有象征意义的重要性，以增强古罗马的美德或乡村生活的乐趣。埃尔门昂维尔的哲学殿堂并没有故意的终止，这确实象征着知识永远不会被认为是完全的事实，而斯托的现代美德殿堂则被刻意地摧毁，以显示当代风俗的衰落。
十八世纪末，建筑奇思异想，代表世界其他地方的建筑，如中国宝塔，日本桥，塔塔帐篷。
在视觉艺术中，随想一般是一种建筑幻想，建筑物，考古遗迹，废墟和其他建筑元素是根据艺术家的特质标准排列的真实和神奇元素的组合。传统上，反复无常是风景画的一个分支，但随着时间的推移，它也被用来指定其他类型的幻想盛行的作品。
在十七世纪末到十八世纪初的威尼斯绘画中，这种兴致勃勃的“veduta ideata”被视为一种真正的流派，即通过真实或奇妙的建筑元素的自由组合来创作景观的艺术，根据各种从怪诞到有远见，从风景如画的all'elegìaco倾斜的古代废墟，人物和数字。
这种装饰建筑绘画的前身可以在16世纪的意大利绘画中找到，特别是在被称为“quadratture”的大型壁画和天花板装饰框架的建筑环境中。这些建筑元素在17世纪的绘画中获得了突出的地位，成为画架绘画的独立主题。
根据1608年德国音乐作曲家迈克尔·普拉托瑞斯（Michael Praetorius）的作曲家和理论家的定义，一种奇思妙想“是一种即兴幻想，其中一种从一种主题到另一种主题。在音乐界特别出名和欣赏的是热那亚小提琴家帕格尼尼（Paganini）的24首随想曲，其中4首启发了匈牙利钢琴家李斯特（Ferenc Liszt）的研究。
起源：
在意大利艺术史学家乔治·瓦萨里（Giorgio Vasari，1511-1574）中，“任性”一词指的是令人费解的幻想的特征，证明了画家的独创性。在谈到菲利皮诺·里皮时，他强调了“他的画作”（“他在画中表现的奇怪的随性”）。 Raffaello Borghini（Il Riposo，15844）区分了从他人那里得到的灵感和艺术家内在的灵感：一个琐事。
早在17世纪，罗马的维维亚诺·科达齐（Viviano Codazzi）就制作了代表想象中的废墟的建筑绘画作品，这可以从彼蒂宫的建筑幻想中看出。
到了十七世纪末，菲利普·巴尔丁努奇（Philip Baldinucci，16815）最终将“随想曲”定义为从画家的自发想象中诞生的作品（improvvisa）。无意义的含义通过提到工作本身而成为转喻，而不是产生它的异想天开的想法。
黄金时代：
早在17世纪罗马流派流派的流派的早期实践者包括Alessandro Salucci和Viviano Codazzi。艺术家代表了两种不同的风格：科达齐的俘虏比萨卢奇更为现实，他通过重新安排罗马古迹来适应他的构图目标，表现出更多的创造力和自由。 Agostino Tassi的“quadratture”壁画和他在罗马看到的Claude Lorrain和Herman van Swanevelt的城市景观可能刺激了Viviano Codazzi开始绘画capricci。
这个类型是由马克·利玛窦（1676-1730）完善的[引文需要]，但其最知名的支持者是艺术家乔瓦尼·保罗·潘尼尼（Giovanni Paolo Pannini，1691-1765）。这种风格在十七世纪四十年代由卡纳莱托在他的着作中引申出来，并由皮拉内西和他的模仿者来作品。
在十八世纪，这个术语在导演画家中具有虚构景观的特殊意义。十七世纪二十年代，马可·利玛窦（Marco Ricci，1676-1730）绘制了无数的绘画和版画，描绘了废墟和人员配置的景观。在罗马，乔万尼·保罗·帕尼尼（Giovanni Paolo Panini，1691-1765）是新古典主义运动的先驱，其观点描绘的是古代遗址的城市和场景，其中包含了不存在的细节，但是却引发了大气的诱发。在威尼斯，这种风格特别受到威尼斯人自己的喜爱，被画家巧妙的建筑风格所吸引。在十九世纪四十年代，卡纳莱托出版了一系列的讽刺版画，“虚拟的理想”。
米歇尔·马里斯基（Michele Marieschi，1710-1743）借助内部宫殿庭院的楼梯代表了随想曲的自由。它至少基于马可·利玛窦（Marco Ricci）的舞台布景图案的十三个版本，以构图为舞台。他的随想CON埃迪菲西奥gotico ED方尖碑（1741）示出了幻想威尼斯，与哥特式门廊和方尖碑指向一个码头，并在后台，丘陵和山区的浮雕靠在水边房屋。
后续：
后来的例子包括查尔斯·罗伯特·科克雷尔（Charles Robert Cockerell）对克里斯托弗·雷恩爵士（Christopher Wren）爵士和教授梦想的致敬，以及约翰·索恩爵士（Joseph John Soane）执导的约翰逊·甘迪（Joseph Gandy）1818年的公私建筑。艺术家卡尔劳宾已经画了一些现代capriccios致敬这些作品。
这个词可以更广泛地用于具有强大幻想元素的其他作品。 Capricci是由Gianbattista Tiepolo（1743年出版，1743年出版）的一系列有影响力的版画，将建筑元素缩减为经典雕像和废墟的大块，其中一小群由异国情调和优雅的士兵，哲学家和美丽的年轻人去他们的神秘业务。没有单独的标题有助于解释这些作品;情绪和风格是一切。后来的系列被称为Scherzi di fantasia - “神奇草图”。他的儿子Domenico Tiepolo是模仿这些版画的人之一，经常使用这个词。
戈雅的八十幅作品“洛杉矶卡普里格斯”（Los Caprichos）以及他的系列“战争的灾难”（The Disasters of War）中的最后一批版画，他称之为“caprichosenfáticos”（“强调随性”），远非这个术语所暗示的那种轻松幻想的精神。他们把西班牙当代人生活中的一系列人物的形象当作一种形式，是一系列野蛮讽刺和荒谬的评论，只是部分地以简短的标题来说明。
卡普里奇（Capricci），由Giambattista Tiepolo（1743）所作的一系列版画，将建筑元素缩减为古典雕像和遗迹，其中小团体 - 士兵，哲学家和年轻人 - 开展业务。没有单独的标题解释这些作品。以后的系列被称为Scherzi di Fantasia，“Fantastic Drawings”。
该系列的80幅版画弗朗西斯科·戈雅的洛杉矶caprichos，而最后一组他的战争名称caprichosenfáticos（“强调率性”）的灾害，需要再由提埃波罗启动人士的团体的格式，放置在当代西班牙人的生活，对他的废话产生一连串的讽刺和评论，只是部分地以他们的简短标题来解释。
后来的例子包括克里斯托弗·雷恩爵士（1838年左右）和查尔斯·罗伯特·科克雷尔（Charles Robert Cockerell）的教授梦，以及约翰·索恩爵士（1818年）执行的约瑟夫·甘迪的公共和私人建筑。当代艺术家卡尔·劳宾（Carl Laubin）已经画了几个现代的capriccios作为对这些作品的赞扬。
随想建筑：
在建筑中，一时兴起是一个奢侈，轻or或有趣的建筑，更多的是作为一种艺术表达而不是实际的目的。然而，很少有突发事件本来是完全没有实用性的：通常，随着时间的推移，他们停止使用，就像狩猎塔一样。
这些突发事件通常发生在公园和大别墅和城堡周围的土地上。有些人被故意建造成废墟。十六世纪末和十九世纪之间，这种兴致之情特别流行。
如今，主题公园和世界博览会经常包含类似于建筑物的建筑物（举例来说，迪斯尼乐园里的巨大童话城堡）。但是，这些结构是为吸引和娱乐参观者而建造的。
哈格利大厅内的哈格利城堡。它由Sanderson Miller在十八世纪中期为George，Lyttelton勋爵建造，以恢复被毁坏的中世纪城堡的形式。
疯狂的概念经常被定义为疯狂是“观众眼中的愚蠢”。典型的特点是：
没有其他的目的，而不是一个装饰品。通常情况下，真正的建筑外观，实际上建筑的奇思妙想只是装饰。
他们是建筑物，或建筑物的一部分。他们从雕塑等其他花园装饰中脱颖而出。
它们是建立在目的之上的。这些愚蠢的东西是故意装饰的。
他们往往是偏心。作为一个特征，这并不是绝对必要的，但是这些结构通常以不寻常的形状和细节来吸引注意力。
在兴起时，往往有明显的错误元素。一个典型的例子是由废墟代表的：一个愚蠢的自称是古代建筑的其余部分，但实际上已经建在那个国家。
他们委托纯粹的快乐。
从十六世纪末到十七世纪初期，女人们开始作为花园的装饰元素出现，但在随后的两个世纪里特别兴起。尤其是在意大利的罗马别墅遗址，尤其是在建筑浪漫主义时期。
无论如何，大部分的棉被完全没有实际的支持，但是在保留其装饰感的同时，其中一些实际上具有用途，通常与狩猎相关，例如在塔或小房子的情况下容纳各种游戏者。在某些情况下，一些建筑怪念头可以作为茶馆。一个协会，愚蠢奖学金，成立于1988年，以保护建筑的奇思妙想。今天仍然致力于庆祝这些结构的历史和辉煌，并向公众宣传。
随想花园：
十八世纪英国花园和法国花园的重要组成部分（或法语：fabriques）是英格兰的Stowe和Stourhead以及Ermenonville的法国花园和法国的凡尔赛花园的重要组成部分。这些建筑常常是罗马神庙，哥特式修道院或埃及纪念碑和金字塔的形式。萨里郡的Painshill公园包含了大量的这些突发事件，包括一个大型的哥特式塔楼和其他各种相同风格的建筑物，一座罗马式的寺庙，一座冬宫，一座土耳其式的帐篷，一个镶嵌着贝壳等的洞穴。在法国，有时候，凡尔赛宫的玛丽·安托瓦内特（Marie Antoinette）的Hameau de la Reine就像农场，工厂和农舍一样。通常这些结构具有象征意义的重要性，以增强古罗马的美德或乡村生活的乐趣。埃尔门昂维尔的哲学殿堂并没有故意的终止，这确实象征着知识永远不会被认为是完全的事实，而斯托的现代美德殿堂则被刻意地摧毁，以显示当代风俗的衰落。
十八世纪末，建筑奇思异想，代表世界其他地方的建筑，如中国宝塔，日本桥，塔塔帐篷。
明暗對比行砌法
明暗對比行砌法（Ablaq。 阿拉伯語：أبلق）是壹種建築風格，涉及交替或波動的光明和黑暗的石頭行。記錄追溯這種磚石技術的開始到敘利亞的南部。它與阿拉伯人相關，特別是與阿拉伯伊斯蘭建築裝飾有關。 1109年，第壹次記錄的使用“ablaq”這個術語是為了修理大馬士革大清真寺，但是這種技術本身早已被使用了。
石砌是壹種伊斯蘭工程藝術，其特征是在黎凡特，埃及和阿拉伯半島的壹些地區的建築，這取決於方形或長方形石膏塊的形成，這些石塊是以美麗色彩的銘文和裝飾為主不同的 - 白色的石頭，加入黑色或粉紅色的石頭。它是騎在大廳的門或內部。這塊石頭最重要的例子之壹是敘利亞大馬士革的阿茲姆宮殿。
這種技術是伊斯蘭建築的壹個特點。 ablaq裝飾技術是古代拜占庭帝國的衍生物，其建築采用淺色方石和深色橙色磚交替連續運行。
在建築技術方面，ablaq這個術語的第壹個已知用途是在對大馬士革的伍瑪亞德清真寺墻壁進行改造的磚石工程中。據記載，這些重建磚石改建北墻始於十二世紀初。當地的石材供應可能會鼓勵使用交替的光亮和黑暗的石頭。敘利亞南部有豐富的黑色玄武巖以及白色的石灰巖。各自的供應量大致相等，所以使用平衡比例的磚石技術是很自然的。
值得註意的是，這個詞的來源是也門，這就是巴拉克語 - “也門人的語言是壹種石頭，這也是烏賊墨的石灰石，這是在雕刻法令中提到的。
然而，這種技術早已被使用，科爾多瓦清真寺 - 大教堂是壹個值得註意的例子，麥地那Azahara，也可能是阿克薩清真寺，以及巖石圓頂。
Ablaq是白色和紅磚相結合的建築風格，既穩定又靈活。在以色列，Havelek描繪了馬穆魯克的建築風格，盡管他們使用紅色和白色的裝飾石塊，而不是磚塊，僅用於美化目的。
馬穆盧克人在他們的建築物中利用了斑駁的燈光效果和明暗對比，而在其中彌補的建築元素之中，則是ablaq。穿著精細的方石通常與磚砌結合起來用於金庫。這些馬穆盧克和敘利亞元素由巴勒斯坦，敘利亞和埃及的Ayyubids和十字軍共同使用和分享。
起源：
阿拉伯名字“Ablaq”的意思是“particolored”，因為它是壹種建築技術，通常結合兩個或三個石頭顏色。這通常表示在交替建造路線的墻壁上：壹種顏色的石頭和壹種不同顏色的磚。有時，黑石（如玄武巖或花崗巖）或白色（各種石灰石）混合，使用紅磚。有時這種組合不會在整個結構中反映出來，而只會在門窗和窗簾上出現。
歷史：
Abelk的起源是在小亞細亞地區，沿著金牛座和紮格羅斯山脈。由於強烈的構造運動，這個地區仍然被認為對地震非常敏感，因此，居民們壹直在尋找辦法來處理他們的後代。壹方面它需要很大的穩定性，另壹方面它需要壹定的彈性，使房屋移動壹點，不會在每次地震中崩潰。因此，Abelk的想法誕生了 - 使用能夠提供強度和穩定性的石頭，以及被認為是更靈活的材料和自然減震器的人造磚。方法是將兩種類型的材料嵌入到大的結構中，通常按照層次來嵌入。有時，Abelk石頭只能放在窗框和門上，這被認為是建築物中的弱點。
在1266 - 1269年蘇丹al-Zahir Baybars al-Bunduqdari修建了壹座名為Al-Zahir Baybars清真寺的清真寺或建造了明暗建築改建的Qasr Ablaq宮殿。在這個清真寺的基礎上，十三世紀，作為壹種交替光明與黑暗交錯的砌體技術被廣泛使用。
對以斯拉記所固有思想的回應，可以在描寫以斯拉記第二殿的描述中找到：“要讓石頭的灰塵揚起來，它就是地球的冠冕”（以斯拉記6：4）。三個石制課程 - 三個，壹個木制課程。換句話說，這座寺廟是由三個石制課程和壹個木制課程組成的，等等。
敘利亞，埃及和巴勒斯坦的馬穆魯克建築在十四世紀和十五世紀采用了阿布拉克的技術。在這些國家大約在這個時候，經常使用黑色和白色的石頭以及經常使用的紅磚，給出了三色的條紋建築。
在大馬士革和奧斯曼帝國時代的其他建築物的阿茲姆宮殿中使用了石膏砌築技術。事實上，威爾士大學蘭彼特大學伊斯蘭考古研究主任安德魯·彼得森博士（Dr.Andrew Petersen）指出，白色石灰石和黑色玄武巖交替排列是“大馬士革巨石砌體的特征”。
在耶路撒冷巖石圓頂上，紅色和白色交替的楣楣相結合，突出了大拱門的傳統風格。耶路撒冷的馬穆盧克建築（公元1250年至公元1516年）包括白色，黃色，紅色和黑色的多色曼尼。圓頂大理石的處理方式的起源是有爭議的，有些理論是他們原來的，有些人說他們是後來的增加（與建造者的日期和身份不同）。
在1260年到1517年之間統治以色列之地的馬木路克人從亞洲帶來了Abelk技術。由於土耳其典型的地震在以色列土地上並不常見，當時還沒有磚塊，所以在到達以色列時，Havelek經歷了壹個有趣的轉折。事實上，以色列的Abelk大部分建築都是“假Abelk”：這不是石頭和磚頭的組合，是不同顏色的石頭。當然，彈性元素已經從這樣的蕭條中消失了，所剩下的只是風格和色彩。這種Abelk也主要作為窗口裝飾傳播到歐洲，所以在匈牙利，ablak這個詞仍然用來形容壹個窗口。
在約旦，亞喀巴（約1145年）的馬穆魯克強化的可汗是壹個仿照十字軍所使用者的中世紀堡壘。它包含保護入口上方的拱門。馬蹄拱具有石質砌體，在埃及的馬穆魯克建築中縈繞不去。
馬木路克人把阿比爾克的使用帶到了藝術的高度，大部分建在以色列，特別是耶路撒冷的建築物，都是由美麗的紅白相間的燈火組成的。耶路撒冷馬穆勒克·阿巴斯的白色石頭的來源是當地的石灰巖，而紅石頭石頭是從希伯倫的采石場運來的。
皮桑教會的紀念碑 - 特別是比薩大教堂和聖塞波爾克羅教堂（1113年開始建造） - 在耶路撒冷征服第壹次十字軍東征（1099年）和完成後者之間，不是簡單的“黑與白的護衛”約1130.使用了各種建築圖案 - ablaq，之字形拱門和voussoir（波紋和平原）。這些裝飾是對耶路撒冷朝聖和在第壹次十字軍東征中對撒拉遜人的戰爭造成的穆斯林建築的直接占有。那些到耶路撒冷的遊客可以在巖石圓頂和聖墓教堂看到遺跡，以及其他可能不再存在的例子。因此，曲折（見諾曼式建築）和ablaq成為羅馬式建築劇目的壹部分。
南卡羅來納州建築師約翰·亨利·德弗羅（John Henry Devereux）在聖馬修的德國福音派路德教會創造了壹座引人註目的黑白相間的大廈。然而，這個原始的概念已經被塗成了單色的紅色。
耶路撒冷的雜色石砌建築：
以色列馬木路克人留下的最宏偉的建築物集中在耶路撒冷的聖殿山和通向它的街道上。這個輝煌的建築有許多相似的特點，但最突出的是使用紅色和白色的石頭。馬穆盧克耶路撒冷建築的例子：
Khaldiya圖書館（Birkat汗）
Ceylonia
Thazia
聖經
土耳其Hazon墓
Tonshuk夫人的宮殿和Seth Tonshuk的墳墓
蒂昆住宅
Madrasat Arjuniya
金匠
Motifaria
Ratzia醫院
Salmiya
The dowry
在聖殿山本身，有許多馬穆勒克燈火輝煌的建築物，如阿什拉菲耶（Madrasat Ashrafiyya），奧斯曼帝國王朝，棉花大門等等。馬木路克人也重新裝修了大聖殿山廣場周圍的彎彎曲曲，西墻沿著壹個完全由Abelk構成的美麗的拱頂系統被保存下來。
石砌是壹種伊斯蘭工程藝術，其特征是在黎凡特，埃及和阿拉伯半島的壹些地區的建築，這取決於方形或長方形石膏塊的形成，這些石塊是以美麗色彩的銘文和裝飾為主不同的 - 白色的石頭，加入黑色或粉紅色的石頭。它是騎在大廳的門或內部。這塊石頭最重要的例子之壹是敘利亞大馬士革的阿茲姆宮殿。
這種技術是伊斯蘭建築的壹個特點。 ablaq裝飾技術是古代拜占庭帝國的衍生物，其建築采用淺色方石和深色橙色磚交替連續運行。
在建築技術方面，ablaq這個術語的第壹個已知用途是在對大馬士革的伍瑪亞德清真寺墻壁進行改造的磚石工程中。據記載，這些重建磚石改建北墻始於十二世紀初。當地的石材供應可能會鼓勵使用交替的光亮和黑暗的石頭。敘利亞南部有豐富的黑色玄武巖以及白色的石灰巖。各自的供應量大致相等，所以使用平衡比例的磚石技術是很自然的。
值得註意的是，這個詞的來源是也門，這就是巴拉克語 - “也門人的語言是壹種石頭，這也是烏賊墨的石灰石，這是在雕刻法令中提到的。
然而，這種技術早已被使用，科爾多瓦清真寺 - 大教堂是壹個值得註意的例子，麥地那Azahara，也可能是阿克薩清真寺，以及巖石圓頂。
Ablaq是白色和紅磚相結合的建築風格，既穩定又靈活。在以色列，Havelek描繪了馬穆魯克的建築風格，盡管他們使用紅色和白色的裝飾石塊，而不是磚塊，僅用於美化目的。
馬穆盧克人在他們的建築物中利用了斑駁的燈光效果和明暗對比，而在其中彌補的建築元素之中，則是ablaq。穿著精細的方石通常與磚砌結合起來用於金庫。這些馬穆盧克和敘利亞元素由巴勒斯坦，敘利亞和埃及的Ayyubids和十字軍共同使用和分享。
起源：
阿拉伯名字“Ablaq”的意思是“particolored”，因為它是壹種建築技術，通常結合兩個或三個石頭顏色。這通常表示在交替建造路線的墻壁上：壹種顏色的石頭和壹種不同顏色的磚。有時，黑石（如玄武巖或花崗巖）或白色（各種石灰石）混合，使用紅磚。有時這種組合不會在整個結構中反映出來，而只會在門窗和窗簾上出現。
歷史：
Abelk的起源是在小亞細亞地區，沿著金牛座和紮格羅斯山脈。由於強烈的構造運動，這個地區仍然被認為對地震非常敏感，因此，居民們壹直在尋找辦法來處理他們的後代。壹方面它需要很大的穩定性，另壹方面它需要壹定的彈性，使房屋移動壹點，不會在每次地震中崩潰。因此，Abelk的想法誕生了 - 使用能夠提供強度和穩定性的石頭，以及被認為是更靈活的材料和自然減震器的人造磚。方法是將兩種類型的材料嵌入到大的結構中，通常按照層次來嵌入。有時，Abelk石頭只能放在窗框和門上，這被認為是建築物中的弱點。
在1266 - 1269年蘇丹al-Zahir Baybars al-Bunduqdari修建了壹座名為Al-Zahir Baybars清真寺的清真寺或建造了明暗建築改建的Qasr Ablaq宮殿。在這個清真寺的基礎上，十三世紀，作為壹種交替光明與黑暗交錯的砌體技術被廣泛使用。
對以斯拉記所固有思想的回應，可以在描寫以斯拉記第二殿的描述中找到：“要讓石頭的灰塵揚起來，它就是地球的冠冕”（以斯拉記6：4）。三個石制課程 - 三個，壹個木制課程。換句話說，這座寺廟是由三個石制課程和壹個木制課程組成的，等等。
敘利亞，埃及和巴勒斯坦的馬穆魯克建築在十四世紀和十五世紀采用了阿布拉克的技術。在這些國家大約在這個時候，經常使用黑色和白色的石頭以及經常使用的紅磚，給出了三色的條紋建築。
在大馬士革和奧斯曼帝國時代的其他建築物的阿茲姆宮殿中使用了石膏砌築技術。事實上，威爾士大學蘭彼特大學伊斯蘭考古研究主任安德魯·彼得森博士（Dr.Andrew Petersen）指出，白色石灰石和黑色玄武巖交替排列是“大馬士革巨石砌體的特征”。
在耶路撒冷巖石圓頂上，紅色和白色交替的楣楣相結合，突出了大拱門的傳統風格。耶路撒冷的馬穆盧克建築（公元1250年至公元1516年）包括白色，黃色，紅色和黑色的多色曼尼。圓頂大理石的處理方式的起源是有爭議的，有些理論是他們原來的，有些人說他們是後來的增加（與建造者的日期和身份不同）。
在1260年到1517年之間統治以色列之地的馬木路克人從亞洲帶來了Abelk技術。由於土耳其典型的地震在以色列土地上並不常見，當時還沒有磚塊，所以在到達以色列時，Havelek經歷了壹個有趣的轉折。事實上，以色列的Abelk大部分建築都是“假Abelk”：這不是石頭和磚頭的組合，是不同顏色的石頭。當然，彈性元素已經從這樣的蕭條中消失了，所剩下的只是風格和色彩。這種Abelk也主要作為窗口裝飾傳播到歐洲，所以在匈牙利，ablak這個詞仍然用來形容壹個窗口。
在約旦，亞喀巴（約1145年）的馬穆魯克強化的可汗是壹個仿照十字軍所使用者的中世紀堡壘。它包含保護入口上方的拱門。馬蹄拱具有石質砌體，在埃及的馬穆魯克建築中縈繞不去。
馬木路克人把阿比爾克的使用帶到了藝術的高度，大部分建在以色列，特別是耶路撒冷的建築物，都是由美麗的紅白相間的燈火組成的。耶路撒冷馬穆勒克·阿巴斯的白色石頭的來源是當地的石灰巖，而紅石頭石頭是從希伯倫的采石場運來的。
皮桑教會的紀念碑 - 特別是比薩大教堂和聖塞波爾克羅教堂（1113年開始建造） - 在耶路撒冷征服第壹次十字軍東征（1099年）和完成後者之間，不是簡單的“黑與白的護衛”約1130.使用了各種建築圖案 - ablaq，之字形拱門和voussoir（波紋和平原）。這些裝飾是對耶路撒冷朝聖和在第壹次十字軍東征中對撒拉遜人的戰爭造成的穆斯林建築的直接占有。那些到耶路撒冷的遊客可以在巖石圓頂和聖墓教堂看到遺跡，以及其他可能不再存在的例子。因此，曲折（見諾曼式建築）和ablaq成為羅馬式建築劇目的壹部分。
南卡羅來納州建築師約翰·亨利·德弗羅（John Henry Devereux）在聖馬修的德國福音派路德教會創造了壹座引人註目的黑白相間的大廈。然而，這個原始的概念已經被塗成了單色的紅色。
耶路撒冷的雜色石砌建築：
以色列馬木路克人留下的最宏偉的建築物集中在耶路撒冷的聖殿山和通向它的街道上。這個輝煌的建築有許多相似的特點，但最突出的是使用紅色和白色的石頭。馬穆盧克耶路撒冷建築的例子：
Khaldiya圖書館（Birkat汗）
Ceylonia
Thazia
聖經
土耳其Hazon墓
Tonshuk夫人的宮殿和Seth Tonshuk的墳墓
蒂昆住宅
Madrasat Arjuniya
金匠
Motifaria
Ratzia醫院
Salmiya
The dowry
在聖殿山本身，有許多馬穆勒克燈火輝煌的建築物，如阿什拉菲耶（Madrasat Ashrafiyya），奧斯曼帝國王朝，棉花大門等等。馬木路克人也重新裝修了大聖殿山廣場周圍的彎彎曲曲，西墻沿著壹個完全由Abelk構成的美麗的拱頂系統被保存下來。
兒童藝術
兒童藝術（Child art）是由兒童創作的繪畫和其他藝術作品。它也被稱為“孩童藝術”或“幼兒藝術”。
兒童藝術可以提供關於兒童發展和心理問題的信息。
“兒童藝術”的第三個內涵，意味著供兒童觀看的藝術，在少年讀者的書中插圖。這種藝術可以由兒童或專業的成人插畫師來完成。
從壹開始，這個詞是由Franz Ci ?ek（1865-1946）在19世紀90年代創造的。 “兒童藝術”這個術語在當代美術的世界中也有著相似的用法，它指的是在作品中描繪兒童的藝術家的亞類。
兒童藝術的階段：
隨著孩子的發展，他們的藝術經歷了許多階段。其中4個是由E. Cooke首次在赫伯特·斯賓塞的演化理論的影響下定義的。
兒童的繪畫發展遵循以下模式（對於每個孩子來說，年齡並不是絕對的和有效的，因為有些孩子跳過了他們繪畫話語的發展階段，或者有時會退回到更早的階段）：
塗鴉：
從他們的第壹個生日開始，孩子們就可以通過精細的動作來控制蠟筆了。起初他們塗鴉。最小的孩子用壹系列的左右運動塗抹，然後向上，向下，然後增加圓形運動。看起來線條或顏色出現，孩子看起來很高興。然而，兒童通常不會註意頁面的邊緣，線條超出了頁面的範圍。兒童往往也對人體彩繪感興趣，並有機會在他們的臉上塗抹或塗抹油漆。
直到18個月大，孩子們喜歡“工作”液體或糊狀物質而不必擔心結果。
後來，從他們的第二個生日開始，受控制的塗鴉開始了。兒童產生簡單形狀的圖案：圓圈，十字架和星星爆發。他們也對安排感興趣，可以制作簡單的彩色拼貼畫，或用圖案放置寶石。壹旦孩子們建立了受控制的塗鴉，他們就開始為他們的塗鴉命名。
壹旦孩子能夠握住和引導筆等，即從大約壹歲起，塗鴉階段就開始了。首先，運動仍然主要來自肩關節（所謂的Hiebkritzeln，大約12-16個月），在潦草的表面上留下個別的隨意的筆劃，然後從肘關節（擺動的塗抹，大約16-22個月） ，導致在兩個方向（即從左下角到右上角並再次返回）的密集沖程，然後從手腕。這樣可以繞圈留下纏結。這個階段是在21-23個月左右達到的。孩子們現在也可以拿起筆，然後再把它放好，所以在地上留下獨立的結構。大約在生命的第三年，當壹個圓圈或直線可以繪制，塗鴉階段結束。孩子們現在開始約兩年半的時間來評論和命名他們的圖紙。第壹個表示意圖可以被識別。從三歲起也來鋸齒塗鴉和孤立的圓形塗鴉。
前象征意義：
從三歲開始，孩子開始結合圓圈和線條來做簡單的數字。起初，人們沒有身體，手臂直接從頭部出現。眼睛往往被拉大，填滿大部分臉部，手和腳被省略。在這個階段，如果沒有孩子的幫助，就不可能確定藝術的主題。
兒童畫的第壹個數字是成年人可以識別的東西，就是所謂的“頭足類動物”。它們由壹個球形或類似觸手狀結構的圓形組成，這個結構向所有方向突出，即所謂的探測體。雖然它類似於以後對兒童圖片的太陽描繪，但它被看作是對兒童本身的發展現狀的壹種表達，它經歷了四面八方的發展和擴大了視野。之後，附肢的數量限制在二到四個，並且將壹個示意性的臉部插入該圓圈。為什麽這些早期人類的描繪經常遺漏軀幹，雖然許多年幼的孩子已經知道有胃，可以顯示自己和他人，這是有爭議的。在頭足類階段即將結束時，即使小人物形成，其他形式如長方形也包含在劇目中，所以現在也可以將其他圖像內容顯示為“原始生物”。
後來來自這個階段的圖畫展示了漂浮在空間中的數字，大小反映了孩子對其重要性的看法。這個年齡的大多數孩子都不關心制作壹個現實的圖片。
學齡前階段：
從四歲開始，孩子們開始更加強烈地構圖。妳現在使用這樣的坐標線。作為壹個代表地面的短劃線，天空和另壹個，註意區分和細節等。作為窗簾或睫毛，將圖像中的許多物體相互聯系起來。顏色的選擇現在意識到了。
在施工階段，塗鴉階段和學前階段，人與物的基本圖形特征在五，七年之間制定出來。在這段時間裏，小孩的繪畫在細節和環節上還是比較豐富的，但是根本沒有什麽新的事件。
為了描述這些兒童圖畫的表現形式，比勒使用了“工作成熟度”這個術語。工作成熟的邊界地帶標誌著具有代表性和表現性的傾向的開始。形象概念的個性化和細化表現在：孩子們在學校周圍繪制明確的勝利，每個孩子都根據自己的經驗形成了非常具體的個人發展結果變體和形象概念。由於藝術活動的個性化，孩子的繪畫在表達和信息內容方面有所收獲。孩子越來越多地發現了表征手段以圖形的方式指定主題的可能性，並根據情感和動機的說法來調整自己形象的主題和組織結構。
下壹個特點是明確的消息內容。孩子意識到他的繪畫的交流能力，並註冊觀察者的理解和準備的意圖。如果它的信息中沒有理解，就可能導致圖像圖案的重組。在此期間，孩子的繪畫的品質出現，構成了現象的構成。
象征：
在這個孩子發展的階段，他們創造了壹個圖像詞匯。因此，當壹個孩子畫壹張貓的照片時，他們總是會畫出相同的基本圖像，可能是修改過的（例如，這個貓的條紋有壹個點）。這個繪畫階段從五歲左右開始。基本形狀被稱為符號或模式。
典型的以下五到八年的Schemaphase I是描繪物體幾層的“X射線圖像”，盡管這實際上是不透明的。所以妳可以在這些照片中看到z。 B.壹個房子同時從外面和從裏面或者衣服下面的身體輪廓。對象的比例往往還沒有真實地捕捉到，而是取決於對象對於孩子的重要性。
每個孩子發展他/她自己的壹套符號，這些符號是基於他們對所畫內容的理解而不是觀察。因此，每個孩子的符號都是獨特的孩子。到了這個年齡，大多數孩子都會形成壹個“人”的標誌，頭部，軀幹和四肢的比例已經很合理。
在這個階段之前，孩子所畫的物體似乎漂浮在太空中，但是在大約五六歲的時候，孩子會引入壹個基線來組織他們的空間。這篇文章的底部通常是綠線（代表草）。數字站在這條線上。年齡稍大壹點的孩子也可以為背景物體添加二次基線，並在地平線上放置太陽和雲層。
在這個階段，文化影響變得更加重要。孩子們不僅能從生活中獲得樂趣，還能在周圍復制圖像。他們可以畫漫畫的副本。孩子們也越來越意識到圖片中講故事的可能性。對空間的更現實的表示的最早的理解，例如使用透視，通常來自復制。
現實主義：
隨著孩子的成長，他們開始發現他們的符號限制。他們認識到，他們對壹個人的圖式是不夠靈活的，只是看起來不像真實的東西。在九，十歲開始的這個階段，孩子會更註重畫畫是否看起來像是被畫的東西。
從八歲左右到十二歲左右的發展完成，孩子們開始爭取現實比例和三維空間的代表性。對於這個開發步驟來說，典型的是所謂的陡峭或水平圖像，在圖像上比在前景中的物體可以看到越來越遠的物體越來越小。例如，大約十歲的孩子嘗試制作家具的透視圖;甚至以後，鳥瞰圖是偶爾選擇的，所以也是平面圖。壹個。可以繪制。在這個階段結束的時候，孩子往往傾向於諷刺和諷刺 - 也許是出於對他們實際做出事情的企圖的不滿。
對於壹些孩子來說，這可能是壹個令人沮喪的時期，因為他們的願望超出了他們的能力和知識。有些孩子幾乎完全放棄了繪畫。然而，其他人變得技術熟練，現階段正式的藝術訓練可以最有利於孩子。基線下降，孩子可以學習使用透視等規則來更好地組織空間。講故事也變得更加精致，孩子們將開始使用漫畫等形式化的設備。
治則：
孩子和喜歡的人有不同的關系，而不喜歡與他們不喜歡的人的關系。孩子們比正面的關系更接近自己的人。積極的人際關系在圖片中更頻繁地微笑。孩子們也會讓他們喜歡的人比他們不喜歡的人更復雜。積極的圖片上太陽更普遍。孩子們也經常在積極的關系圖片上使用自己喜歡的顏色。然而，這些照片本身並沒有色彩的喜悅。
藝術療法可以成為孩子發展和聯系情感的有效方式。壹些自閉癥兒童發現，繪畫可以幫助他們表達難以表達的感覺，否則。同樣，面對諸如戰爭等恐怖事件的兒童可能難以直接談論他們所經歷的事情。藝術可以幫助孩子在這些情況下接受他們的情緒。
批評：
教育家約翰·霍爾特（John Holt）在二十世紀八十年代參觀了舊金山的壹個兒童藝術展覽後說：“......對成年人的理解可能開始解釋我說的是什麽，我所說的兒童藝術大部分是成人發明“。
兒童藝術可以提供關於兒童發展和心理問題的信息。
“兒童藝術”的第三個內涵，意味著供兒童觀看的藝術，在少年讀者的書中插圖。這種藝術可以由兒童或專業的成人插畫師來完成。
從壹開始，這個詞是由Franz Ci ?ek（1865-1946）在19世紀90年代創造的。 “兒童藝術”這個術語在當代美術的世界中也有著相似的用法，它指的是在作品中描繪兒童的藝術家的亞類。
兒童藝術的階段：
隨著孩子的發展，他們的藝術經歷了許多階段。其中4個是由E. Cooke首次在赫伯特·斯賓塞的演化理論的影響下定義的。
兒童的繪畫發展遵循以下模式（對於每個孩子來說，年齡並不是絕對的和有效的，因為有些孩子跳過了他們繪畫話語的發展階段，或者有時會退回到更早的階段）：
塗鴉：
從他們的第壹個生日開始，孩子們就可以通過精細的動作來控制蠟筆了。起初他們塗鴉。最小的孩子用壹系列的左右運動塗抹，然後向上，向下，然後增加圓形運動。看起來線條或顏色出現，孩子看起來很高興。然而，兒童通常不會註意頁面的邊緣，線條超出了頁面的範圍。兒童往往也對人體彩繪感興趣，並有機會在他們的臉上塗抹或塗抹油漆。
直到18個月大，孩子們喜歡“工作”液體或糊狀物質而不必擔心結果。
後來，從他們的第二個生日開始，受控制的塗鴉開始了。兒童產生簡單形狀的圖案：圓圈，十字架和星星爆發。他們也對安排感興趣，可以制作簡單的彩色拼貼畫，或用圖案放置寶石。壹旦孩子們建立了受控制的塗鴉，他們就開始為他們的塗鴉命名。
壹旦孩子能夠握住和引導筆等，即從大約壹歲起，塗鴉階段就開始了。首先，運動仍然主要來自肩關節（所謂的Hiebkritzeln，大約12-16個月），在潦草的表面上留下個別的隨意的筆劃，然後從肘關節（擺動的塗抹，大約16-22個月） ，導致在兩個方向（即從左下角到右上角並再次返回）的密集沖程，然後從手腕。這樣可以繞圈留下纏結。這個階段是在21-23個月左右達到的。孩子們現在也可以拿起筆，然後再把它放好，所以在地上留下獨立的結構。大約在生命的第三年，當壹個圓圈或直線可以繪制，塗鴉階段結束。孩子們現在開始約兩年半的時間來評論和命名他們的圖紙。第壹個表示意圖可以被識別。從三歲起也來鋸齒塗鴉和孤立的圓形塗鴉。
前象征意義：
從三歲開始，孩子開始結合圓圈和線條來做簡單的數字。起初，人們沒有身體，手臂直接從頭部出現。眼睛往往被拉大，填滿大部分臉部，手和腳被省略。在這個階段，如果沒有孩子的幫助，就不可能確定藝術的主題。
兒童畫的第壹個數字是成年人可以識別的東西，就是所謂的“頭足類動物”。它們由壹個球形或類似觸手狀結構的圓形組成，這個結構向所有方向突出，即所謂的探測體。雖然它類似於以後對兒童圖片的太陽描繪，但它被看作是對兒童本身的發展現狀的壹種表達，它經歷了四面八方的發展和擴大了視野。之後，附肢的數量限制在二到四個，並且將壹個示意性的臉部插入該圓圈。為什麽這些早期人類的描繪經常遺漏軀幹，雖然許多年幼的孩子已經知道有胃，可以顯示自己和他人，這是有爭議的。在頭足類階段即將結束時，即使小人物形成，其他形式如長方形也包含在劇目中，所以現在也可以將其他圖像內容顯示為“原始生物”。
後來來自這個階段的圖畫展示了漂浮在空間中的數字，大小反映了孩子對其重要性的看法。這個年齡的大多數孩子都不關心制作壹個現實的圖片。
學齡前階段：
從四歲開始，孩子們開始更加強烈地構圖。妳現在使用這樣的坐標線。作為壹個代表地面的短劃線，天空和另壹個，註意區分和細節等。作為窗簾或睫毛，將圖像中的許多物體相互聯系起來。顏色的選擇現在意識到了。
在施工階段，塗鴉階段和學前階段，人與物的基本圖形特征在五，七年之間制定出來。在這段時間裏，小孩的繪畫在細節和環節上還是比較豐富的，但是根本沒有什麽新的事件。
為了描述這些兒童圖畫的表現形式，比勒使用了“工作成熟度”這個術語。工作成熟的邊界地帶標誌著具有代表性和表現性的傾向的開始。形象概念的個性化和細化表現在：孩子們在學校周圍繪制明確的勝利，每個孩子都根據自己的經驗形成了非常具體的個人發展結果變體和形象概念。由於藝術活動的個性化，孩子的繪畫在表達和信息內容方面有所收獲。孩子越來越多地發現了表征手段以圖形的方式指定主題的可能性，並根據情感和動機的說法來調整自己形象的主題和組織結構。
下壹個特點是明確的消息內容。孩子意識到他的繪畫的交流能力，並註冊觀察者的理解和準備的意圖。如果它的信息中沒有理解，就可能導致圖像圖案的重組。在此期間，孩子的繪畫的品質出現，構成了現象的構成。
象征：
在這個孩子發展的階段，他們創造了壹個圖像詞匯。因此，當壹個孩子畫壹張貓的照片時，他們總是會畫出相同的基本圖像，可能是修改過的（例如，這個貓的條紋有壹個點）。這個繪畫階段從五歲左右開始。基本形狀被稱為符號或模式。
典型的以下五到八年的Schemaphase I是描繪物體幾層的“X射線圖像”，盡管這實際上是不透明的。所以妳可以在這些照片中看到z。 B.壹個房子同時從外面和從裏面或者衣服下面的身體輪廓。對象的比例往往還沒有真實地捕捉到，而是取決於對象對於孩子的重要性。
每個孩子發展他/她自己的壹套符號，這些符號是基於他們對所畫內容的理解而不是觀察。因此，每個孩子的符號都是獨特的孩子。到了這個年齡，大多數孩子都會形成壹個“人”的標誌，頭部，軀幹和四肢的比例已經很合理。
在這個階段之前，孩子所畫的物體似乎漂浮在太空中，但是在大約五六歲的時候，孩子會引入壹個基線來組織他們的空間。這篇文章的底部通常是綠線（代表草）。數字站在這條線上。年齡稍大壹點的孩子也可以為背景物體添加二次基線，並在地平線上放置太陽和雲層。
在這個階段，文化影響變得更加重要。孩子們不僅能從生活中獲得樂趣，還能在周圍復制圖像。他們可以畫漫畫的副本。孩子們也越來越意識到圖片中講故事的可能性。對空間的更現實的表示的最早的理解，例如使用透視，通常來自復制。
現實主義：
隨著孩子的成長，他們開始發現他們的符號限制。他們認識到，他們對壹個人的圖式是不夠靈活的，只是看起來不像真實的東西。在九，十歲開始的這個階段，孩子會更註重畫畫是否看起來像是被畫的東西。
從八歲左右到十二歲左右的發展完成，孩子們開始爭取現實比例和三維空間的代表性。對於這個開發步驟來說，典型的是所謂的陡峭或水平圖像，在圖像上比在前景中的物體可以看到越來越遠的物體越來越小。例如，大約十歲的孩子嘗試制作家具的透視圖;甚至以後，鳥瞰圖是偶爾選擇的，所以也是平面圖。壹個。可以繪制。在這個階段結束的時候，孩子往往傾向於諷刺和諷刺 - 也許是出於對他們實際做出事情的企圖的不滿。
對於壹些孩子來說，這可能是壹個令人沮喪的時期，因為他們的願望超出了他們的能力和知識。有些孩子幾乎完全放棄了繪畫。然而，其他人變得技術熟練，現階段正式的藝術訓練可以最有利於孩子。基線下降，孩子可以學習使用透視等規則來更好地組織空間。講故事也變得更加精致，孩子們將開始使用漫畫等形式化的設備。
治則：
孩子和喜歡的人有不同的關系，而不喜歡與他們不喜歡的人的關系。孩子們比正面的關系更接近自己的人。積極的人際關系在圖片中更頻繁地微笑。孩子們也會讓他們喜歡的人比他們不喜歡的人更復雜。積極的圖片上太陽更普遍。孩子們也經常在積極的關系圖片上使用自己喜歡的顏色。然而，這些照片本身並沒有色彩的喜悅。
藝術療法可以成為孩子發展和聯系情感的有效方式。壹些自閉癥兒童發現，繪畫可以幫助他們表達難以表達的感覺，否則。同樣，面對諸如戰爭等恐怖事件的兒童可能難以直接談論他們所經歷的事情。藝術可以幫助孩子在這些情況下接受他們的情緒。
批評：
教育家約翰·霍爾特（John Holt）在二十世紀八十年代參觀了舊金山的壹個兒童藝術展覽後說：“......對成年人的理解可能開始解釋我說的是什麽，我所說的兒童藝術大部分是成人發明“。
2017年4月11日 星期二
神保町 傳 Den 东京都 千代田区
神田神保町“傳”（Den），位于东京都千代田区神保町2-2-32 101-0051。这家有名的餐厅是亚洲最佳50家餐厅之一，曾经多次在日剧中出现，其特色是日本风格的美食时尚的怀石料理，每一种单纯的日本料理都会做出合适的酒和菜单搭配。还有欢快的进食环境。如果来到东京只能去一个地方，这就是神保町“传”。这是真正味道的享受。
神保町“传”进门是一个日式庭院，有着传统的三级阶梯和门帘。一进门就能看到特色柜上装满了酒和餐具，这些餐具，都是料理长自己亲手打造的，非常有特色。
餐厅充满了快乐的心情。当你进入这个地方就会受到热情欢迎。渔长谷川和他的团队让你真的感觉像在家一样的温暖和愉快的气氛。这里的员工英语说得很好，知识非常渊博，而且提供了非常周到的服务。
这里的食物搭配很有创意，食物非常美味。菜单推荐包括 - 虾床葵，竹笋- 百合，虾仁酱土豆- 不粘红鲷鱼 - 日本静冈县寿喜烧牛肉 - 川原蔬菜。 - 佐尼·博尼托和蔬菜汤，日本芥末菠菜，香菇 - 鸭石锅虾床，葵，竹笋·颊肉碗美味汤 -·酸酐草莓和夏日向，黑豆等。
清酒是个性化的建议也很棒。清酒香醇清爽而不浓厚，香气非常淡雅。料理长的调酒师资格证挂在墙上。
真正让这次经历其中的一种是与员工的互动。作为长期旅行的美食家我们从来没有遇到过这样的热情,细心和有趣的互动和增强了人们体验这是完全的食物和饮料。这是打扰了你的声音不是很大,但是到处都是热情好客的和旧世界的中心。
神保町Den很难预订到位置，旅客来东京的话最好提前订好座。
信息：
位置〒101-0051 东京都千代田区神保町 2-2-32
店铺的入口位于沿外苑西大街。
从公共交通直达银座线外苑前站有10分钟的步行路程
电话号码03-6455-5433
预订受理时间为12:00至17:00
定休日星期天
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