時尚插圖

時尚插圖（Fashion Illustration）是以視覺形式傳達時尚觀念的藝術，起源於插圖，繪畫和繪畫，也被稱為時尚素描。它主要由時裝設計師用他們的想法集成到紙或計算機，使用數字軟件，如Adobe Photoshop和插畫，這有助於他們與他們的團隊輕松溝通。時尚素描在設計預覽和展示設計師思想方面起著重要作用，並在進行實際服裝之前作出決定，以減少浪費。除了時裝設計師，時裝插畫師也被委托在時尚雜誌上進行復制，作為編輯功能的壹部分，或者是為了廣告和推廣時裝店，時尚精品店和百貨公司的目的。

時尚插圖是壹種藝術活動，包括旨在出版的時尚服裝的繪畫設計，例如時尚雜誌或海報。出現在十九世紀初，由畫家和設計師制作。與高級時裝非常密切相關的時尚插畫自二十世紀初以來已經有數十年的輝煌，當時1908年，首次出版的保羅·波列特（Paul Poiret）首次出版，標誌著從靜態和日期的插圖向插圖的過渡。現代，創意，創新。她知道，從20世紀30年代到20世紀50年代末，她的雜誌和廣告的榮耀時間：插畫家是公認的藝術家。取而代之的是時代攝影歷史的完成，它最終在20世紀60年代初幾乎完全消失，除了代表人物雷內·格魯（OréedeRénéde Roe Gruau）還是像安東尼奧·洛佩斯（Antonio Lopez）這樣的壹些復興之外，如今，時尚插畫在廣告或雜誌上是非常罕見的，但是在2000年左右的新壹代插畫師中，永恒和更新這種藝術。

時尚插畫已經有近500年了。自從衣服已經存在以來，需要將想法或圖像轉化為時尚插圖。時尚插圖不僅展示了服裝的代表或設計，而且還作為壹種藝術形式。時尚插圖顯示了手的存在，據說是壹種視覺奢華。

時尚插圖已經成為時尚傳播的唯壹手段之壹，起著非常小的作用。 Vogue的第壹個照片封面是時尚插畫歷史上的壹個分水嶺，也是其衰落的流域標誌。照片，無論改變或修飾，將永遠與現實和協會真相有壹些聯系。我喜歡把他們（時尚插圖）看作是散文，並有更多的虛構敘事。他們通過個人願景比照片更明顯地過濾。插圖生活在壹個窮人相對於時尚的位置。

設計師從素描本草圖開始，以粗略的草圖為靈感和頭腦風暴。將這些粗略的草圖隨後轉移到草坪上，並在藝術材料的幫助下呈現出采用紋理，顏色，圖案和細節的時尚素描。

時尚插畫，由雕刻或蝕刻組成，日期可追溯到十六世紀，具有極大的探索和新領域的發現：收藏品隨後由世界上幾個國家制作。

十七世紀末，第壹批報紙出版，特別是在路易十四統治時期的法國，也被認為是“第壹時尚雜誌”。這些出版物的演變，最終達到十八世紀末。革命後，重要出版物的中心從巴黎轉到德國，然後轉到英國。最初由匿名藝術家開始的現代時尚畫像大概是從十九世紀初開始的。從本世紀中葉開始，巴黎再次成為時尚的首都，仍然是插圖的參考。最近的時尚攝影，新出現的是受到人造裝飾凍結時間的時尚插圖的啟發，在十九世紀末，插圖的創造力超過了攝影的創造力;但時尚的這兩種表示仍處於轉向過去，用嚴格的著裝規定在二十世紀的開頭：查爾斯·達納·吉布森之外，時尚插畫是“垂死在地圖上美學“。當時，時尚插畫被視為壹種手藝，而不僅僅是圖形藝術的形式。

意大利肖像畫家喬瓦尼·博爾迪尼（Giovanni Boldini）被同行認為是時尚的第壹個插畫家之壹，其名字得到承認;他將是下壹代插畫師與薩金特的顯著影響。 “精品雜誌”雜誌“雜誌”組合在壹起作為畫家，合作者和作家，留下了充足的空間;後者則是從模板的圖案技術開發出來的：油漆逐層應用，顏色逐漸通過切割金屬板。野獸派出現在本世紀初，其次是立體派，在時尚插圖中迅速發現的潮流將會更新。同時，在J.C.Leyendecker的特征下，創建了“人類箭頭領”（Man Arrow Collar）。

在第壹次世界大戰之前，巴黎是時尚的首都，也是藝術：畫家，詩人，裝飾家，作曲家，戲劇人物，在那裏擦肩而過。高級定制和時裝設計是不可分割的，像保羅·波雷特（Paul Poiret）為自己提供保羅·艾裏斯（Paul Iribe）的服務，他創造性地說明了保羅·波雷特（Paul Poiret）在保羅·伊裏（Paul Iribe），三年後的喬治·萊皮為保羅·波雷特的事情。 Iribe的實現給了藝術等級的插圖，奠定了二十世紀圖畫的基礎。在Poiret幾年後，Jeanne Paquin問Iribe，Lepape和Barbier創作了她的作品組合。在這個冒泡中創造了許多期刊。 Lucien Vogel和Michel de Brunhoff創立了新壹代的藝術家，作家和插畫家Bon Bon，當時的裝飾藝術，如新藝術運動，立體派，裝飾藝術等等進入時間的反映圖;插畫師的靈感來自劇院。

最近，時尚界在二十世紀三十年代後期開始出現衰落，當時，Vogue開始用攝影圖像代替其著名的封面。這是時尚界的壹大轉折點。時尚插圖作者Laird Borrelli現在說，

“法國學派”優先於美國插畫師。壹些插畫師，如Drian，Benito，Erté或ChristianBérard，變得特別公認，美國雜誌Harper's Bazar或Vogue，法國Femina或L'Officiel出版了當時最大的名字。雜誌成為傳播時尚的必需品。時尚設計變得不那麽靜止，不僅具有藝術手法，而且具有描述性，並且面向報告：時尚表演，日常生活，雞尾酒...是常見的，如RenéBouët-Willaumez的作品。在20世紀30年代初，顏色在時尚插圖上更廣泛地出現，首先在美版Vogue的封面，然後在內頁。超現實主義運動進入時尚雜誌;這個例證也從演示形式向埃裏克代表的更具藝術性的方向演變成了壹種“新現實主義”。但時尚攝影的革命將逐漸改變插畫的地方，每個人逐漸得到自己喜歡的領域：攝影到時尚和插畫到廣告。然而，時尚雜誌的傳播和影響力的進步，吸收了時代的藝術潮流，攝影與插圖並行將從這些演變中獲益。

在戰爭之前開始的趨勢，這個時期看到圖形預算的限制對於攝影的利益：插畫家，大部分都是廣告或演出，都是，或返回，越來越多地到這些地區。二十世紀五十年代中期，肯尼思·保羅·布裏奇（Kenenne Paul Block）以他的木炭技術，加入了六位“女裝日報”插畫師隊伍;他將留在那裏42年，直到專業雜誌“插圖”部門關閉。 20世紀60年代，時尚界正在全面革新：時尚之都從巴黎遷往倫敦，即將上市的服裝將會使未來幾年的服裝受到影響，流行藝術和希臘運動影響時尚插畫... 1963年RenéBouché的死亡，沒有人試圖取代，象征性地標誌著雜誌中無所不在的時尚插圖的結束。這是壹個瘦牛的時代，時尚畫面似乎保留給廣告，內衣和配飾。攝影完全統治;例如Richard Avedon或Irving Penn的時尚攝影師是主人。錯誤的插圖將在青少年雜誌上躲避：替代攝影比較便宜，它有助於啟發或建議，遠離不適應這些出版物讀者的高級時尚的原則。仍然會有壹些時尚雜誌，特別是專業人士出版設計師的作品：國際紡織品，官方時尚，WWD或Sir保留最佳插畫師的服務。壹些罕見的藝術家，包括格魯，還有年輕的安東尼奧，在死後被認為是“時裝設計師的精髓”，仍然非常明顯。

從20世紀80年代起，時裝畫似乎在出版物中找到了壹點空間。多倫多的安東尼奧·洛佩斯（Antonio Lopez）的風格總是領先於時尚和各種各樣的技術，在職業生涯中處於領先地位38，托尼·維拉蒙特斯（Tony Viramontes）註意到，繪畫時尚，前衛時尚雜誌，以及在美國的新版本的名利場，或接下來的十年精英遠見者（每月V），並將打開他們的頁面到插圖，就像壁紙*在更廣泛的背景下比時尚。壹些插畫家，如前身傑森布魯克斯，他們的電腦創作。

在二十世紀二十年代，這個例證似乎在世界上找到了重要的地位。大衛·唐頓（David Downton），最初是壹個插畫大師，擁有多種多樣的主題，1966年開始使用高級定制，然後放棄了這個主題，然後回到了主題，被其經典而現代的時尚插圖方法所認可。