漫畫家

漫畫家或漫畫創作者（Cartoonist）是專門從事漫畫的視覺藝術家。這項工作通常是為娛樂，政治評論或廣告而創作的。插圖，故事板，海報，襯衫，書籍，廣告，賀卡，雜誌，漫畫，漫畫，漫畫，漫畫，漫畫，漫畫，漫畫，報紙和電子遊戲包裝。

漫畫家或圖形幽默主義者的主要職業是在報紙或雜誌等印刷出版物上畫漫畫，幽默圖畫或漫畫。幽默畫家的漫畫是為了娛樂和娛樂讀者，並且/或者用幽默的方式來說明出版物中出現的時事。他的作品通常與簡短的陳述相容，有時簡化為壹個單壹的框架（壹個小插曲），非常適合插入期刊。

圖形幽默家的職業正在意識到當前的新聞，以激發他的繪畫。定期在規定的期限內將您的作品發送到新聞編輯室進行審批。與編輯討論他的作品應該遵循的思想和審美路線，並在此基礎上修改或修改他的作品。

壹個好的漫畫家和幽默大師的漫畫人來自全國各地，離奇詭異的情況下的政治，社會和文化事務的描繪，尋求挑起讀者的笑容。壹般而言，藝術家自己的角色具有壹定的個性，很容易被讀者認可。

圖形幽默主義者可以專註於制作壹個單獨的小插曲或漫畫，在幾個小插曲代表壹個簡短的故事。壹些幽默主義者只是為了出版而出版他們的作品，而另壹些則是通過機構分發他們的作品，使他們出現在不同的媒體上，甚至屬於不同的地區或國家。

圖形幽默主義者在許多情況下超出了簡單的娛樂和幽默。事實上，例如，如果伴隨著合適的圖形圖片，則強調公眾人物的不適當行為的新聞項目加強了所討論的文章，​​並且在許多情況下導致所傳輸內容的本質在內存中滲透更長的讀者。

18世紀出現的英國諷刺漫畫家和編輯漫畫家威廉·霍加斯（William Hogarth）被認為是開創性的西方連續藝術。他的作品從逼真的肖像畫到漫畫般的壹系列名為“現代道德主題”的圖片。他的大部分工作嘲笑當代政治和習俗;這種風格的插圖通常被稱為“Hogarthian”。在霍加斯的工作之後，政治漫畫在十八世紀後半葉在英國的大發展，詹姆斯·吉利（James Gillray）和托馬斯·羅蘭森（Thomas Rowlandson）的指導下開始發展。吉利（Gillray）探索使用媒介諷刺和漫畫，呼籲國王（喬治三世），總理和將領，並被稱為政治漫畫的父親。

雖然從來沒有壹個專業的漫畫家，本傑明·富蘭克林相信有壹個美國報紙上發表的第壹個漫畫。在19世紀，像托馬斯·納斯特（Thomas Nast）這樣的職業漫畫家引入了其他熟悉的美國政治符號，如共和大象。

在20世紀期間，許多雜誌由Charles Addams，Irwin Caplan，Chon Day，Clyde Lamb和John Norment等自由漫畫家進行單幅插畫。雖然科利爾經常帶著彩色卡通畫，但幾乎總是以黑白兩色出版。 “花花公子”首次推出由傑克·科爾，埃爾登·德迪尼，羅伊·雷蒙德等人組成的全彩色漫畫。聯合報紙的單人漫畫家包括Dave Breger，Hank Ketcham，George Lichty，Fred Neher，Irving Phillips和J. R. Williams。

漫畫集團廣泛分發給主流報紙的集團，如環球新聞集團，聯合媒體，或國王的特點。星期天在出版之前去“美國色彩”這樣的著色公司。

壹些漫畫創作者在另類媒體或互聯網上發表。漫畫藝術家有時也會以書的形式工作，創造圖形小說。書本收藏中的復古和現在的小條都會收到重印。

主要的漫畫出版商（例如Marvel或DC）利用漫畫家團隊來制作這些藝術品（通常是將彩色鉛筆作品，墨水和字母分開，而彩色師則通過數字技術添加顏色）。當不同的漫畫家（如阿奇漫畫）需要壹致的藝術風格時，可以使用人物模型表作為參考。

Calum MacKenzie在“蘇格蘭漫畫家”（Glasgow Print Studio Gallery，1979）的展覽目錄序言中定義了選擇標準：

漫畫家和插畫家之間的區別與喜劇演員和喜劇演員之間的區別是相同的 - 前者既表現出自己的觀點，也表現出自己的觀點，後者總是隱藏在事實上並不是他整個人創建。

動畫是為短片，廣告，故事片和電視而創作的。它也有時用於真人電影的夢幻片或開幕片頭。動畫藝術家通常被稱為動畫師，而不是漫畫家。他們也創造電影。夢工廠動畫公司，皮克斯公司，沃爾特迪斯尼動畫工作室和藍天工作室等動畫工作室創造出更具立體感的CGI或電腦動畫電影。

有許多平裝本和精裝本的漫畫書籍，比如“紐約客”漫畫集。在二十世紀六十年代之前，漫畫大多被博物館和藝術畫廊忽略。 1968年，漫畫家兼喜劇演員羅傑·普萊斯（Roger Price）開設了第壹個專門致力於漫畫的紐約市美術館，主要由著名的雜誌封面人物漫畫家工作。今天，有幾個博物館致力於漫畫，尤其是比利·愛爾蘭卡通圖書館和博物館，由俄亥俄州立大學的策展人珍妮·羅伯（Jenny E. Robb）經營。

漫畫藝術家通常使用鉛筆或畫筆在印度墨水畫圖上畫鉛筆素描。藝術家也可以使用燈箱來創建最終的墨水圖像。例如，壹些藝術家布萊恩·博蘭德（Brian Bolland）使用計算機圖形，將已出版的作品作為藝術作品的第壹個外觀。通過很多定義（包括McCloud's，以上），漫畫的定義擴展到數字媒體，如網絡漫畫和移動漫畫。

漫畫創作的本質決定了從事創作工作的人數，成功的連環漫畫和漫畫書是通過工作室系統制作的，藝術家組裝了壹個助手團隊幫助創作。然而，獨立公司，自我出版商或更具個人特質的作品可以由壹位創作者制作。

在北美的漫畫產業中，演播室系統已經成為主要的創作方式。通過行業的使用，角色已經變得嚴重編纂，工作室的管理已成為公司的責任，由編輯來履行管理職責。編輯匯編了壹些創作者，並監督著作出版。

任何數量的人都可以用這種方式幫助創作壹本漫畫書，從繪圖員，摔跤藝術家，鉛筆，墨水，劇作家，讀者和調色師，壹些角色由同壹個人執行。

相比之下，連環漫畫往往是唯壹的創作者，通常稱為漫畫家的作品。然而，漫畫家采用演播室的方法並不罕見，特別是當壹個小條成功的時候。 Mort Walker雇傭了壹個工作室，而Bill Watterson和Charles Schulz則沒有。堵嘴，政治和編輯漫畫家也傾向於單獨工作，雖然漫畫家可能會使用助手。

藝術風格：
雖然幾乎所有的漫畫藝術在某種意義上都是縮略的，而每壹位制作漫畫作品的藝術家都有自己獨特的方法來承擔，但也有壹些更為廣泛的藝術風格。漫畫藝術家克裏夫·斯特雷特（Cliff Sterrett），弗蘭克·金（Frank King）和古斯·阿裏奧拉（Gus Arriola）經常使用不同尋常的豐富多彩的背景，

基本的風格已被確定為現實和卡通，具有巨大的中間地帶，佛羅裏達州創造了自由的話。菲奧雷也表示厭惡現實和卡通的條款，分別喜歡字面和自由式的條款。

斯科特·麥克勞德創造了“大三角”作為思考漫畫藝術的工具。他將真實的表現置於左下角，在右下角放置標誌性表現或卡通藝術，在三角形的頂點放置第三個標識符，即圖像的抽象。這允許通過三角測量來放置和分組藝術家。

卡通風格使用漫畫效果和線寬的變化來表達。人物往往有圓形，簡化解剖。這種風格的著名指數是卡爾·巴克斯（Carl Barks）和傑夫·史密斯（Jeff Smith）。
也被稱為冒險風格的現實主義風格是在20世紀30年代的冒險樂園裏使用的風格。他們需要較少的卡通外觀，更註重逼真的解剖和形狀，並使用紙漿雜誌中的插圖作為基礎。這種風格成為超級英雄漫畫風格的基礎，因為喬·舒斯特和傑裏·西格爾（Jerry Siegel）最初是為了出版作為冒險樂隊而出版超人。
麥克勞德還指出，在壹些傳統中，傾向於讓主要人物畫得相當簡單和卡通，而背景和環境卻是真實的。因此，他認為，讀者很容易識別人物（因為他們與自己的想法相似），同時沈浸在壹個三維和紋理的世界。這個現象的很好的例子包括埃爾熱的“丁丁歷險記”（以他的“個人商標”Ligne claire風格），威爾·艾斯納的精神和手冢治蟲的大佛等等。

工具：
藝術家使用各種鉛筆，畫筆或紙張（通常為布裏斯托爾板）和防水墨水。在著墨時，許多藝術家傾向於使用Winsor＆Newton Series 7，＃3刷子作為主要工具，其可以與其他刷子，蘸水筆，自來水筆和/或各種技術筆或標記。可以采用機械色調來為圖像添加灰色調。藝術家可能用丙烯酸樹脂，水粉，海報塗料或水彩畫來繪畫。顏色也可以通過蠟筆，蠟筆或彩色鉛筆來實現。

橡皮擦，模板，集合正方形和丁字尺協助創造線條和形狀。繪圖臺提供了壹個有角度的工作表面，有時還附著在桌子上。壹個燈箱允許藝術家在上墨時追蹤他的鉛筆作品，允許更寬松地完成。刀和手術刀滿足各種需求，包括切板或刮掉錯誤。切割墊幫助修剪紙張。加工白色是壹種用於掩蓋錯誤的厚厚的不透明白色材料。膠粘劑和膠帶幫助復合來自不同來源的圖像。