人形繪畫

人形繪畫（Figure Drawing）是使用任何繪圖介質的任何其各種形狀和姿勢的人形圖畫。該術語也可以指生產這樣的圖紙的行為。表現程度可以從高度詳細，解剖學上正確的渲染到松散和表現力的草圖。 “人形繪畫”是觀察現場模特的人物繪畫。圖畫可能是壹個組合的藝術作品或壹個數字研究，準備更完成的作品，如繪畫。圖畫可以說是藝術家經常遇到的最困難的課題，整個課程都是專註於這個課題。人物是視覺藝術中最持久的主題之壹，人物可以是肖像，插圖，雕塑，醫學插圖等領域的基礎。

藝術家采取各種方法繪制人物。他們可以從實況模特或從照片，骨骼模型，或記憶和想象力中抽取出來。大多數教學重點是在“生活繪畫”課程中使用模型。攝影參考的使用 - 雖然攝影的發展雖然是常見的 - 經常被批評或不鼓勵，因為它傾向於產生不能捕捉主題的動態方面的“平坦”圖像。從想象力來看，它鼓舞的表現力常常被贊賞，並且批評了藝術家缺乏知識或有限的記憶在形象化人物中引入的不準確性;藝術家與其他方法的經驗對這種方法的有效性有很大的影響。

在開發圖像時，壹些藝術家專註於身體表面上由淺色和暗值的相互作用產生的形狀。其他人采取解剖學方法，首先通過近似圖的內部骨骼，覆蓋內部器官和肌肉組織，並用皮膚覆蓋這些形狀，最後（如果適用）衣服;人體內部解剖學的研究通常涉及這種技術。另壹種方法是從幾何形狀松散地構造身體，例如用於顱骨的球體，用於軀幹的圓柱等，然後將這些形狀細化為更接近於人的形式。

對於沒有視覺參考的人（或作為檢查工作的手段），圖中通常推薦的比例是：
普通人壹般高達七點半頭身比（包括頭）。這可以說明給教室裏的學生使用紙板來直觀顯示身體的長度。
壹個理想的人物，用於高貴或恩典的印象，被繪制在八點頭頭身比。
用於描繪神和超級英雄的英雄人物是八點半頭身比。大多數額外的長度來自壹個更大的胸部和更長的腿。
請註意，這些比例對於常規模型最有用。引入各種身體部位的縮短的姿勢將導致它們不同。

19世紀的法國沙龍建議使用Conté蠟筆，它們是蠟，油和顏料，以及特制紙。擦除不允許;相反，藝術家預計會在輕微的筆畫之前描繪這個數字，然後再做出更暗，更明顯的標記。

壹種流行的現代技術是使用由特殊葡萄藤制成的木炭棒和更粗糙的紙。木炭松散地貼在紙上，使得非常容易的擦除，但是可以使用噴霧“固定劑”來保留最終的拉伸圖，以防止木炭摩擦。較硬的壓縮木炭可以產生更有意義和精確的效果，並且可以通過用手指或用稱為樹樁的圓柱形紙工具進行塗抹來產生漸變色調。

石墨筆也通常用於圖形繪制。為此，藝術家的鉛筆以各種配方銷售，從9B（非常柔軟）到1B（中軟），從1H（中等硬度）到9H（非常硬）。像木炭壹樣，它可以使用樹樁擦除和操縱。

墨水是另壹種流行的媒介。藝術家通常會用石墨筆繪畫或畫出繪畫，然後用筆或筆刷進行最後的線條工作，持續使用墨水。墨水可以用水稀釋以產生灰度，這是壹種稱為墨水洗滌的技術。油墨應用後，鉛筆痕跡可能會被擦除，或者用深色墨水將其放在適當的地方，從而使其印刷效果不佳。

壹些藝術家直接用墨水直接繪畫，而不用準備鉛筆素描，更喜歡這種方法的自發性，盡管它限制了糾正錯誤的能力。馬蒂斯是壹位已知以這種方式工作的藝術家。

Watteau和其他17世紀和18世紀巴洛克風格和洛可可時代藝術家的壹種喜愛的方法是從白色和黑色之間的色調開始，並以黑色和黑色加亮，使用筆墨或“蠟筆”。

自從史前時代以來，人物壹直是繪畫的主題。雖然古代藝術家的工作室做法主要是壹個猜想的問題，但是他們經常從裸體模特中抽取和模仿的建議是由他們的作品的解剖學復雜性。 Pliny相關的壹個軼事描述了Zeuxis如何評估Agrigentum的年輕女性裸體，然後選擇五個他的功能，他將結合起來，以畫出壹個理想的形象。在中世紀藝術家的研討會中使用裸體模型是在Cennino Cennini的著作中暗示的，而Villard de Honnecourt的手稿證實，生活中的素描是13世紀的慣例。 Carracci在十八世紀八十年代在博洛尼亞開設了Accademia degli Incamminati，為後來的藝術學校制作了壹個繪畫中心紀錄的模式。培訓過程開始於復制雕刻，然後從石膏雕塑中抽出，之後學生們從現場模特中抽取出來。

在18世紀末期，Jacques-Louis David的工作室的學生遵循嚴格的教學計劃。繪畫的掌握被認為是繪畫的先決條件。每天大概六個小時，學生們從壹個持續壹個星期的模型中抽出了同樣的姿勢。在十九世紀末期之前，婦女壹般不被允許參加繪畫班。

壹個學院的人物是壹個繪畫，繪畫或雕塑，以文字的方式，裸體人體使用壹個活的模型，通常在壹半的壽命

這是藝術學院和學院的學生在過去和現在都需要的壹個常見的練習，所以這個名字。

歷史記錄表明，有抱負的女性藝術家的裸體模式基本上不可用。婦女被禁止某些機構，因為被認為是不正當的，甚至可能甚至危害他們從裸體模式學習。雖然男子獲得男女裸體，但女性僅限於從演員和模特身上學習解剖。直到1893年才允許女學生在倫敦皇家學院進入生活繪畫，甚至在模特兒被要求被部分覆蓋。

獲得裸體數字的機會有限，妨礙了女性藝術家的職業發展。最有聲望的繪畫形式需要對解剖學的深入了解，這些知識被系統地拒絕給女性，因此她們被降級為不太受歡迎的形式，如流派，靜物，景觀和肖像畫。琳達·諾克林（Linda Nochlin）的文章“為什麽沒有偉大的女性藝術家”，她指出，婦女不得不將裸體繪畫作為女性藝術發展的歷史性重大障礙。

圖形說明是最精美的藝術和插圖程序的元素。意大利藝術學院有壹個scoola libera del nudo（“免費的裸體學校”），這是學位課程的壹部分，但對外部學生也是開放的。在壹個典型的圖畫工作室教室裏，學生坐在壹個半圓形或全圓的模型。沒有兩個學生有完全相同的觀點，因此他們的繪畫將反映出藝術家相對於模特的獨特位置的觀點。該模型經常站在壹個立場上，使學生更容易找到壹個無障礙的視圖。根據姿勢的類型，可以使用家具和/或道具。這些通常包括在繪圖中，只要它們對於藝術家是可見的。然而，背景通常被忽略，除非目標是了解數字在環境中的位置。個人模型是最常見的，但是可以在更高級的類中使用多個模型。許多工作室都配備了許多照明設施。

當在大學階段任教時，圖畫模型通常（但不總是）裸體（除了小珠寶或其他不顯眼的項目）。在擺姿勢時，通常要求模型保持完美。由於在長時間內這樣做的困難，模型休息和/或伸展的定期休息通常包括在更長的會話中並且用於更困難的姿勢。

在圖形繪制會開始時，通常要求該模型快速連續地做出壹系列簡短的姿態。這些被稱為姿勢姿勢，通常是每分鐘壹到三分鐘。手勢繪畫是許多藝術家的熱身運動，雖然壹些藝術家將手勢描繪成每幅圖畫的第壹步。這些廣泛的筆畫不僅僅是通過手腕的輕彈來完成，而是通過使用整個手臂來捕捉模型的運動。它也有助於保持藝術家專註於模型，而不是紙張。當涉及到人體時，藝術家是至關重要的;靜物的比例不壹定要完美地看起來是真實的，但即使是輕微的人為因素的錯誤也很容易被發現。

現代和當代藝術家可能選擇誇張或扭曲比例來強調模特姿態的姿態或感覺到的心情。結果可以被視為成品藝術品，同時表達主題，觀察，情感和標記對藝術家繪畫經驗的反應。

解剖學只是生命課程中第壹關註的問題。還考慮了地面關系和組成的其他方面。組合的平衡變得更加重要，因此通過生活繪畫更容易理解。藝術家對姿勢的動覺反應，以及通過藝術媒體的選擇傳達的這種感覺是壹個更為先進的問題。由於圖畫課的目的是學習如何繪制各種人物，通常尋求所有年齡，形狀和種族的男性和女性模型，而不是僅選擇美麗的模型或具有“理想”數字的模特。壹些導師特意尋求避免時尚攝影師喜歡的模式，尋求更多“現實”的例子，並避免任何暗示的性客觀化。教練也可以根據他們提供的獨特的輪廓或表面紋理來支持特定體型的模型。所雇用的各種模式可能受到他們長時間持有姿勢（消除不安定的孩子和體弱的老年人）的需求的限制，以及模特兒裸體（限制未成年人的使用）時的謙虛和合法性的擔憂。